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sábado, 31 de octubre de 2015

River Phoenix (Madras, Oregon, US, 23-8-1970 / West Hollywood, California, US, 31-10-1993): In memoriam

CARRERA TRUNCADA A LOS 23 AÑOS

Hoy se cumplen veintidós años de la prematura muerte del actor estadounidense River Phoenix, fallecido a los 23 en penosas circunstancias por sobredosis de drogas. Rubio y de rostro aniñado, era una de las figuras más prometedoras del cine de su tiempo y se habló de él como el nuevo James Dean. Asímismo, lideró una banda musical, Aleka's Attic, y también fue activista por los derechos de los animales, el medio ambiente y diversas causas humanitarias.
River Jude Bottom (su nombre real) fue el primogénito de una pareja de hippies que se conocieron haciendo auto-stop en el norte de California. Sus hermanos son los también actores Rain Phoenix, Joaquin Phoenix, Liberty Phoenix y Summer Phoenix. En 1973 sus padres se unieron a la secta cristiana de los 'Niños de Dios', y se desplazaron con los tres hijos que tenían por entonces primero a Puerto rico y luego a Venezuela, donde, en calidad de misionero, su padre ocupó el simbólico puesto de 'arzobispo de Venezuela y las islas del Caribe'. Sin recibir apoyo económico de la organización religiosa, la familia Bottom vivía en la absoluta pobreza y los pequeños River y su hermana Rain se vieron obligados a tocar la guitarra y cantar por la calles mendigando para sobrevivir. De adulto, River contó que perdió la virginidad a los cuatro años en dicha secta y posteriormente manifestó que "eran asquerosos y arruinaban la vida de la gente". Desengañados, los Bottom volvieron con sus cuatro hijos a los Estados Unidos a finales de los años 70, cambiaron su apellido a Phoenix y se establecieron momentáneamente con los abuelos maternos en Florida, donde nació su quinta hija. Allí los hermanos Phoenix participaron en numerosos concursos, cantando y actuando. River nunca recibió educación en escuela alguna.
En 1982 la familia Phoenix se estableció en Los Ángeles, tras decidir que el futuro de los hijos estaba en el cine. De entre ellos, River Phoenix fue sin duda el más afortunado. Se estrenó como actor en la serie de televisión Fantasía, en la que tocaba la guitarra y cantaba, y a la que siguieron otras varias. Debutó en el cine con la película de ciencia-ficción Exploradores (1984) de Joe Dante, y no tardó en convertirse en uno de los más brillantes talentos de Hollywood con títulos como Cuenta conmigo (1986) de Rob Reiner, comedia dramática de aventuras infantiles que tuvo un importante éxito, La costa de los mosquitos (1986) de Peter Weir, fábula de aventuras con Harrison Ford y Helen Mirren, Espías sin identidad (1988) de Richard Benjamin, thriller con Sidney Poitier, o Un lugar en ninguna parte (1988) de Sidney Lumet, drama familiar con Christine Lahti, Judd Hirsch y Martha Plimpton por el que Phoenix fue nominado al Globo de Oro y al Oscar al mejor actor secundario. Después apareció en Indiana Jones y la última cruzada (1989) de Steven Spielberg, tercer film de la franquicia, con Harrison Ford y Sean Connery, un gran éxito comercial, Te amaré hasta que te mate (1990) de Lawrence Kasdan, comedia negra con Kevin Kline, Tracey Ullman, Joan Plowright, William Hurt y Keanu Reeves, y La última apuesta (1991) de Nancy Savoca, drama ambientado en los años 60 durante la Guerra de Vietnam, con Lili Taylor. Por su brillante actuación en el fillm independiente Mi Idaho privado (1991) de Gus Van Sant, coprotagonizado por Keanu Reeves, ganó la Copa Volpi al mejor actor en el Festival de Venecia y se convirtió en joven estrella de culto. Sus restantes películas fueron Los fisgones (1992) de Phil Alden Robinson, thriller entre aventura y fantasía tecnológica con Robert Redford, Dan Aykroyd, Ben Kingsley, Mary McDonnell, Sidney Poitier y David Strathairn, Esa cosa llamada amor (1993) de Peter Bogdanovich, drama romántico con  Samantha Mathis, Dermot Mulroney y Sandra Bullock, Lengua silenciosa (1994) de Sam Shepard, western con Alan Bates, Richard Harris y Dermot Mulroney. Rodada en 1993, Dark blood de George Sluizer, drama con Judy Davis y Jonathan Pryce, no se estrenaría hasta 2012, con críticas negativas. Su rodaje había sido interrumpido por la repentina muerte de River Phoenix.
La noche del 31 de octubre de 1993, la policía de Los Angeles recibió la llamada de Joaquin Phoenix diciendo que su hermano se estaba muriendo entre convulsiones. River Phoenix falleció esa misma noche en una acera de la calle después de haber ingerido una dosis letal de cocaína y heroína en el baño de The Viper Room, club nocturno en Hollywood perteneciente al actor Johnny Depp. Quedaba así truncada la vida y carrera de uno de los ídolos juveniles más recordados de los años 90.

 

viernes, 30 de octubre de 2015

Louis Malle (Thumeries, France, 30-10-1932 / Los Angeles, California, US, 23-11-1995): In memoriam

INDEPENDIENTE, ARRIESGADO Y PROVOCADOR

Hoy es aniversario natal del cineasta francés Louis Malle. Director, guionista y productor, desarrolló su trabajo en producciones francesas y americanas de materias muy diversas, pero explorando las más íntimas u oscuras pulsiones humanas (el asesinato por dinero, el adulterio, el suicidio, el incesto, el colaboracionismo con el enemigo, la prostitución infantil, la delación... son temas presentes en su filmografía). Calificado de provocador y polémico en su día, Malle está hoy catalogado como uno de los más destacados directores franceses.
Quinto de los siete hijos de una familia acomodada (un tipo de ambiente que con frecuencia abordaría en su filmografía), Louis Malle comenzó a estudiar ciencias políticas en la parisina Universidad de la Sorbona, pero su gusto por el cine le llevó al prestigioso Institut des Hautes Etudes Cinématographiques, escuela pública de cine por la que también pasaron otros importantes directores. Con apenas 23 años realizó junto al comandante Jacques-Yves Cousteau el documental sobre las profundidades submarinas El mundo del silencio (1956), Palma de Oro en Cannes y Oscar al mejor documental. Su talento era indudable, pues ese mismo año ejerció como ayudante de dirección de Robert Bresson en "Un condenado a muerte se ha escapado".
Su primer largo de ficción fue Ascensor para el cadalso (1957), inquietante thriller de suspense con Jeanne Moreau y Maurice Ronet como protagonistas y música de Miles Davis. Después obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia con Los amantes (1958), drama de gran éxito en Francia sobre una burguesa insatisfecha también protagonizado por Jeanne Moreau. Desde este film en adelante, Malle se detiene a manifestar en diferentes ocasiones su personal concepción de la sexualidad, sobre todo femenina, con reacciones a veces adversas por parte de público y crítica a lo largo de las épocas. A causa de su  ruptura de tabúes eróticos se encontró con casos paradójicos, como el ocurrido en 1958, en que el Tribunal Supremo de EE.UU. hubo de revocar, tras la apelación de Malle, una acusación de obscenidad a una sala de Ohio que proyectaba Los amantes.
Aunque coetáneo de los impulsores de la nouvelle vague, lo cierto es que Malle habita tierra de nadie. Ni está con los jóvenes iconoclastas que quieren reinventar la escritura fílmica y abogan por el cine de autor ni cabe encuadrarle entre los directores academicistas que aquellos denuestan. De hecho, François Truffaut quedó cautivado por su siguiente film, Zazie en el metro (1959), comedia moderna para muchos adscrita al mencionado movimiento, al igual que sus dos siguientes títulos, Vida privada (1962), indagación en la personalidad de una estrella acosada por los periodistas, con Brigitte Bardot y Marcello Mastroianni, y Fuego fatuo (1963), intenso drama sobre las últimas horas de un suicida (un estremecedor Maurice Ronet en la mejor interpretación de toda su carrera) que constituye una de sus obras más logradas y personales, con la que vuelve a ganar el Premio Especial del Jurado en Venecia y también el de la Crítica.
¡Viva María! (1965), comedia ambientada en la revolución en un país centroamericano en 1907, reunió a Brigitte Bardot y Jeanne Moreau con el objeto de llegar a más amplias audiencias, tónica seguida por El ladrón de París (1967), comedia criminal con Jean-Paul Belmondo y el episodio William Wilson, con Brigitte Bardot y Alain Delon, del film colectivo Historias extraordinarias (1968, con Fellini y Vadim). Diferentes (y nuevamente polémicos) derroteros recorrió en El soplo al corazón (1971), drama que trata el tema del incesto sin valorización moral, y Lacombe Lucien (1974), drama donde se atrevió con otro tema tabú: la postura de la sociedad civil francesa ante la ocupación nazi.
Traladado a los Estados Unidos, dirigió El unicornio (1975), atípico ejercicio de fantasía de tintes surrealistas, La pequeña (1978), drama con Keith Carradine, Susan Sarandon y Brooke Shields encarnando a una protituta de 12 años en la New Orleans de 1917, que también escandalizó a muchos en su día, Atlantic City (1980), excelente drama con Burt Lancaster y Susan Sarandon, que aúna crimen y romance en un ambiente mafioso, el mejor de sus films americanos, ganador del León de Oro en Venecia y nominado a cinco Oscars, Mi cena con André (1981), conversación sobre la vida, la muerte y el teatro entre los profesionales de la escena André Gregory y Wallace Shawn, Crackers (1984), fallido remake de "Rufufu" (1958) de Mario Monicelli trasplantado a San Francisco, con Donald Sutherland, Jack Warden y Sean Penn, y La bahía del odio (1985), drama sobre el enfrentamiento entre norteamericanos y refugiados vietnamitas en una pequeña comunidad pesquera, con Ed Harris y Amy Madigan. 
De vuelta en Francia rueda su obra maestra Adiós, muchachos (1987), sincera, emotiva y conmovedora evocación de su infancia, durante la ocupación alemana de Francia, en un internado católico para chicos, premiada con el León de Oro en Venecia, siete premios César, tres David di Donatello, un BAFTA al mejor director y candidata a dos Oscars (mejor película extranjera y guión original). Le siguen Milou en mayo (1990), comedia con Michel Piccoli y Miou-Miou, donde observa con acidez a un grupo de burgueses reunidos en mayo de 1968, y Herida (1992), drama erótico triangular con Jeremy Irons, Juliette Binoche, Miranda Richardson, Rupert Graves, Ian Bannen y Leslie Caron. Nuevamente en los Estados Unidos, pone broche de oro a su carrera con Vania en la calle 42 (1994), film de excelente elenco, con Wallace Shawn, Julianne Moore y Larry Pine, que reduce el "Tío Vania" de Chejov a sus elementos básicos: soledad, vidas malgastadas, esperanza romántica y desesperación.
Malle también filmó documentales destacados como Vive le Tour (1962), Calcutta (1969), Humain, trop humain (1974), Place de la République (1974), Gods's country (1986), o ...And the pursuit of happiness (1986).
Entre 1965 y 1967 estuvo casado con Anne-Marie Deschodt. Posteriormente tuvo un hijo en 1971 con la actriz alemana Gila von Weitershausen, y una hija en 1974 con la actriz canadiense Alexandra Stewart. Tras una relación sentimental con Susan Sarandon, se casó con Candice Bergen en 1980, que le dio una hija en 1985 y que seria su viuda. Louis Malle falleció en su casa de  Beverly Hills a los 63 años a consecuencia de un linfoma.


Miguel Henández (Orihuela, España, 30-10-1910 / Alicante, España, 28-3-1942): In memoriam

CANTOR DEL AMOR HERIDO, DE LA VIDA Y DE LA MUERTE

Hoy se cumplen 105 años del nacimiento del poeta y dramaturgo español Miguel Henández. Adscrito a la Generación del 27, destacó por la hondura y autenticidad de sus versos, reflejo de su compromiso social y político. En su obra, la calidad estilística de sus poemas, resultado de su apasionada lectura de los clásicos españoles del Siglo de Oro, va unida a una estremecedora fuerza expresiva. La voz vehemente y desgarrada del poeta convierte el amor, la vida y la muerte en una experiencia poética marcada por una vitalidad trágica. Víctima a lo largo de su vida de tantas injusticias, su última producción, en gran parte escrita en las cárceles donde el régimen franquista le recluyó en penosas circunstancias, lo convierte en uno de los más altos poetas españoles de todos los tiempos. Su obra abrió caminos a la poesía española de posguerra y se proyectó hacia los jóvenes salidos de la contienda, sin duda desorientados y confusos y algunos hasta casi sin voz.
Nacido en el seno de una familia humilde y criado en el ambiente campesino de Orihuela, de niño fue pastor de cabras y no tuvo acceso más que a estudios muy elementales, por lo que su formación fue autodidacta.
Su interés por la literatura lo llevó a profundizar en la obra de algunos clásicos, como Garcilaso de la Vega o Luis de Góngora, que posteriormente tuvieron una marcada influencia en sus versos, especialmente en los de su etapa juvenil. También conoció la producción de autores como Rubén Darío o Antonio Machado. Participó en las tertulias literarias locales organizadas por su amigo Ramón Sijé, encuentros en los que se relacionó con la que luego fue su esposa e inspiradora de muchos de sus poemas, Josefina Manresa.
Con veinticuatro años viajó a Madrid y conoció a Vicente Aleixandre y a Pablo Neruda; con este último fundó la revista Caballo Verde para la Poesía. Las ideas marxistas del poeta chileno tuvieron una gran influencia sobre el joven Miguel, que se alejó del catolicismo e inició la evolución ideológica que lo condujo a tomar posiciones de compromiso beligerante durante la Guerra Civil.
Tras el triunfo del Frente Popular colaboró con otros intelectuales en las Misiones Pedagógicas, movimiento de carácter social y cultural. En 1936 se alistó como voluntario en el ejército republicano. Durante la contienda contrajo matrimonio con Josefina Manresa, publicó diversos poemas en las revistas El Mono Azul, Hora de España y Nueva Cultura, y dio numerosos recitales en el frente. El fallecimiento de su primer hijo (1938) y el nacimiento del segundo (1939) se añadieron como motivo inspirador de su obra poética.
Terminada la guerra regresó a Orihuela, donde fue detenido. Condenado a muerte, luego se le conmutó la pena por la de cadena perpetua. Después de pasar por varias prisiones, murió a los 31 años en el penal de Alicante víctima de un proceso tuberculoso: de esta forma se truncó una de las trayectorias más prometedoras de las letras españolas del siglo XX.

La poesía de Miguel Hernández

Aunque cronológicamente el autor debería pertenecer a la llamada promoción del 35, de la que formaron parte poetas como Luis Rosales o Leopoldo María Panero, el estilo de su obra y su relación con los representantes de la Generación del 27 hacen que se le considere el miembro más joven de esta última, el "genial epígono del grupo" en palabras de Dámaso Alonso. Su trayectoria como escritor dio comienzo con algunas colaboraciones en la revista de tendencia católica El Gallo Crisis, dirigida por Ramón Sijé.
Su primer volumen de versos, Perito en lunas (1933), está formado por 42 octavas reales en las que los objetos cotidianos y humildes son descritos con un hermetismo formal en el que trasluce claramente el magisterio gongorino. Sin embargo, en otros poemas de la misma época se intuye una mayor soltura verbal y el inicio de su compromiso con la causa de los desheredados.
En 1934, después de dar a conocer en la revista Cruz y Raya el auto sacramental Quién te ha visto y quién te ve y sombra de lo que eras, de carácter calderoniano, comenzó la que a la postre fue considerada su obra maestra y de madurez, El rayo que no cesa (1936). La vida, la muerte y el amor (éste como hilo conductor del poemario) son los ejes centrales de un libro compuesto mayoritariamente por sonetos y deslumbrante en su conjunto, aunque destaca alguna elegía como la dedicada a la muerte de Ramón Sijé, escrita en tercetos encadenados y considerada una de las más importantes de la lírica española de todos los tiempos.
Durante la Guerra Civil cultivó la llamada poesía de guerra: su fe republicana se plasmó en una serie de poemas reunidos en Viento del pueblo (1937), que incluyó la "Canción del esposo soldado", dirigida a su mujer, y otras creaciones famosas, como "El niño yuntero". También en este período concibe El hombre acecha (1939), que manifiesta su visión trágica de la contienda fratricida, y diversos textos dramáticos que se publicaron con el título Teatro en la guerra (1937).
Mientras se hallaba en la cárcel escribió Cancionero y romancero de ausencias (1938-1941), donde hizo uso de formas tradicionales de la poesía popular castellana para expresar en un estilo conciso y sencillo su hondo pesar por la separación de su mujer y sus hijos y la angustia que le producían los efectos devastadores de la guerra.

(Texto procedente de la página Biografías y Vidas)



Nanas de la cebolla

La cebolla es escarcha
cerrada y pobre:
escarcha de tus días
y de mis noches.
Hambre y cebolla:
hielo negro y escarcha
grande y redonda.

En la cuna del hambre
mi niño estaba.
Con sangre de cebolla
se amamantaba.
Pero tu sangre,
escarchada de azúcar,
cebolla y hambre.

Una mujer morena,
resuelta en luna,
se derrama hilo a hilo
sobre la cuna.
Ríete, niño,
que te tragas la luna
cuando es preciso.

Alondra de mi casa,
ríete mucho.
Es tu risa en los ojos
la luz del mundo.
Ríete tanto
que en el alma al oírte,
bata el espacio.

Tu risa me hace libre,
me pone alas.
Soledades me quita,
cárcel me arranca.
Boca que vuela,
corazón que en tus labios
relampaguea.

Es tu risa la espada
más victoriosa.
Vencedor de las flores
y las alondras.
Rival del sol.
Porvenir de mis huesos
y de mi amor.

La carne aleteante,
súbito el párpado,
el vivir como nunca
coloreado.
¡Cuánto jilguero
se remonta, aletea,
desde tu cuerpo!

Desperté de ser niño.
Nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
Ríete siempre.
Siempre en la cuna,
defendiendo la risa
pluma por pluma.

Ser de vuelo tan alto,
tan extendido,
que tu carne parece
cielo cernido.
¡Si yo pudiera
remontarme al origen
de tu carrera!

Al octavo mes ríes
con cinco azahares.
Con cinco diminutas
ferocidades.
Con cinco dientes
como cinco jazmines
adolescentes.

Frontera de los besos
serán mañana,
cuando en la dentadura
sientas un arma.
Sientas un fuego
correr dientes abajo
buscando el centro.

Vuela niño en la doble
luna del pecho.
Él, triste de cebolla.
Tú, satisfecho.
No te derrumbes.
No sepas lo que pasa
ni lo que ocurre.

(Miguel Hernández, 1939, Cancionero y romancero de ausencias)

Alfred Sisley - Impresiones a orillas del Sena

ALFRED SISLEY (Paris, France, 30-10-1839 / Moret-sur-Loing France, 29-1-1899): IN MEMORIAM

Hoy se conmemora el aniversario natal del pintor británico (nacido y establecido en Francia) Alfred Sisley, considerado uno de los impresionista más puros. Aunque nunca alcanzó el renombre de la mayor parte de sus compañeros del movimiento pictórico al que siempre fue fiel, su obra, poco apreciada en su tiempo, ha ganado en reconocimiento con el paso de los años. Cultivó casi en exclusiva el paisaje, en el cual incluyó a veces figuras humanas, y empleó una gama de color suave y más restringida que la característica de otros impresionistas. Sus lienzos parecen transmitir el sosiego, silencio y tranquilidad del mundo rural francés. Fue un maestro en la captación de los distintos matices de luminosidad del aire, con sensible y delicada plasmación de los cambiantes elementos de la naturaleza en condciones climatológicas diversas. Sisley produjo una copiosa obra de unas 900 pinturas al óleo y 100 al pastel.
Hijo de padres ingleses acomodados, con 18 años viaja a Londres para estudiar comercio, con el objeto de continuar el negocio familiar de sedas. Allí conoce las obras de John Constable, Richard Bonnington y William Turner. De regreso a París en 1861, ingresa en el taller de dibujo y pintura del académico Charles Gabriel Gleyre, donde conoció a Claude Monet y Pierre Auguste Renoir. Los tres abandonan el taller para realizar la totalidad de la obra en plein air buscando transmitir la sensación visual en su estado inmediato.
Sisley dedicó todos sus esfuerzos al paisaje y aportó con su obra una nueva forma de entender el género que nace del conocimiento de la pintura romántica inglesa; se suma a la tradición de los paisajistas franceses y a la del resto de pintores impresionistas, y da lugar a uno de los capítulos más líricos y armoniosos del movimiento. Estudia los efectos de la atmósfera y las transparencias en el agua; el paisaje será su género predilecto.
Participó en los Salones de 1866, 1868 y 1870 en los que presentó diversos cuadros. Su situación económica fue holgada hasta el inicio de la guerra franco-prusiana en 1871, lo que supuso la quiebra del negocio familiar del que Sisley recibía una pensión para poder dedicarse a la pintura. En esos años difíciles, residió en diversas localidades en los alrededores del bosque de Louvicennes; aquí es donde Sisley define su método, caracterizado por la exploración del mismo paisaje en condiciones climatológicas diversas y desde puntos de vista distintos. Algunas de estas obras fueron presentadas en 1874, en la que sería la primera exposición del movimiento impresionista.
Ante la escasa repercusión obtenida por sus cuadros, abandonó París y se retiró en 1880 a la pequeña localidad de Moret-sur-Loing, en la que pasó el resto de sus días trabajando y viviendo en la pobreza. Este último período estuvo marcado por la afirmación de un estilo cada vez más personal, que si bien revelaba afinidades con las concepciones pictóricas de Monet y Pissarro, se distinguía de ellas por la suave armonía del color y un sentido casi arquitectónico de la composición.
Sisley comenzó en 1866 una relación con Eugénie Lesouezec, una bretona residente en París, con quien tuvo un hijo (1867) y una hija (1869). En su último viaje a Gran Bretaña en 1897, la pareja contrajo matrimonio en Cardiff. De vuelta en Francia, el pintor solicitó la nacionalidad francesa, que le fue denegada, por lo que Sisley permaneció británico hasta su muerte a los 59 años, acaecida a comienzos de 1899, pocos meses después de la de su esposa.


Alfred Sisley

Portrait of Alfred Sisley by Pierre-Auguste Renoir (ca. 1875)

El video ofrece una recopilación de obras de Sisley a los acordes del Romanze-Larghetto, 2º movimiento del Concierto para piano nº 1 en Mi menor de Frédéric Chopin.

 

jueves, 29 de octubre de 2015

Tribute to Richard Dreyfuss (Brooklyn, New York, US, 29-10-1947)

EL MÁS JOVEN GANADOR DEL OSCAR AL MEJOR ACTOR (hasta 2003)

El actor estadounidense Richard Dreyfuss cumple hoy 68 años. Con casi cincuenta de profesión y después de convertirse en una de las principales estrellas del entonces llamado 'nuevo Hollywood' en los años 70, ha proseguido una carrera en la que, pese a considerables altibajos, dejó constancia de su talento con un estilo muy naturalista de interpretar. Dos veces nominado al Oscar, lo ganó en su primera candidatura y fue premiado también con un Globo de Oro y un BAFTA, entre otros galardones.
Richard Stephen Dreyfus nació en el seno de una familia judía, su padre era abogado y restaurador y su madre activista por la paz. Criado en Queens, a los nueve años se trasladó con sus padres a Los Angeles. En su adolescencia comenzó a interesarse por la interpretación cuando acudía a la Beverly Hills High School, debutando en la televisión a los quince años. Más tarde estudió durante un año en la Universidad del Valle de San Fernando y trabajó como portero de un hospital (en servicios sociales tras declararse objetor de conciencia para no acudir a la Guerra de Vietnam) antes de centrar su carrera profesional interpretando obras de teatro y productos para televisión. Dreyfuss debutó sin acreditar en el cine en títulos como El valle de las muñecas (1967) de Mark Robson y El graduado (1967) de Mike Nichols.
Tras varios títulos menores, su gran oportunidad llegó cuando logró un personaje protagonista en American graffiti (1973) de George Lucas, brillante retrato de la juventud americana de 1962, época donde las chicas, los coches y el rock & roll eran los principales valores de un presente a disfrutar antes de afrontar responsabilidades como adultos. El film tuvo un enorme éxito y dio a conocer el rostro de Dreyfuss en todo el mundo. Después apareció en Dillinger (1973) de John Milius, neo-noir con Warren Oates, Ben Johnson y Cloris Leachman, El aprendizaje de Duddy Kravitz (1974) de Ted Kotcheff, comedia dramática con Randy Quaid, Inserts (1974) de John Byrum, drama sobre el mundo del cine a comienzos de los años 30, con Jessica Harper, Bob Hoskins y Veronica Cartwright, y tuvo su segundo gran éxito al coprotagonizar junto a Roy Scheider y Robert Shaw el aterrador trhriller Tiburón (1975) de Steven Spielberg, que propulsó la fulgurante carrera de su director y en su día batió records de taquilla a escala planetaria. Tras intervenir en Victoria en Entebbe (1976) de Marvin J. Chomsky, telefilm basado en hechos reales con reparto multiestelar y posteriormente exhibido en salas, alcanzó la cima de su carrera con sus dos películas siguientes: Encuentros en la tercera fase (1977) de Steven Spielberg, film de ciencia-ficción con Teri Garr, Melinda Dillon y François Truffaut, que también arrasó en las taquillas de medio mundo, y La chica del adiós (1977) de Herbert Ross, adaptación de una comedia romántica de Neil Simon, con Marsha Mason como coprotagonista, muy bien recibida por público y crítica, que valió a Dreyfuss el Oscar al mejor actor, además de un Globo de Oro, un BAFTA y un David di Donatello. Con 30 años, el actor neoyorquino se convirtió en el más joven en ganar en competición la estatuilla de la Academia (record sólo superado veinticinco años más tarde por Adrien Brody, también con 30 años pero un mes menor). 
Dreyfuss nunca más consiguió un éxito de tal magnitud, a lo que no fue ajena su adicción a drogas como la cocaína y el alcohol, lo que le condujo a ingresar en un programa de rehabilitación y a alejarse del mundo de la interpretación. Los productores le colgaron el sello de 'no contratable' y, tras protagonizar Un investigador insólito (1978) de Jeremy Paul Kagan, El concurso  (1980) de Joel Oliansky y Mi vida es mía (1981) de John Badham, su carrera ya no volvería a ser la misma a partir de este lapsus temporal. Regresó con The buddy system (1984) de Glenn A. Jordan, comedia romántica con Susan Sarandon, de muy escaso eco, Un loco suelto en Hollywood (1986) de Paul Mazursky, comedia con Nick Nolte y Bette Midler, que le devolvió el éxito en parte, Dos estafadores y una mujer (1987) de Barry Levinson, comedia con Danny DeVito y Barbara Hershey, Procedimiento ilegal (1987) de John Badham, comedia de intriga con Emilio Estevez, Loca (1987) de Martin Ritt, drama judicial con Barbra Streisand, Presidente por accidente (1988) de Paul Mazursky, comedia con Raúl Juliá y Sonia Braga, Always (1989) de Steven Spielberg, drama sobrenatural con Holly Hunter y John Goodman, Rosencrantz y Guildenstern han muerto (1990) de Tom Stoppard, comedia dramática basada en una obra teatral del propio director sobre dos personajes secundarios de "Hamlet" de Shakespeare, con Gary Oldman y Tim Roth, Postales desde el filo (1990) de Mike Nichols, comedia dramática con Meryl Streep, Shirley MacLaine y Dennis Quaid, Querido intruso (1991) de Lasse Hallström, comedia romántica con Holly Hunter, ¿Qué pasa con Bob? (1991) de Frank Oz, comedia con Bill Murray, Perdidos en Yonkers (1993) de Martha Coolidge, según la obra de Neil Simon, con Mercedes Ruehl, En el punto de mira (1993) de John Badham, comedia secuela de Procedimiento ilegal, con Emilio Estevez y Rosie O'Donnell, Un testigo en silencio (1994) de Bruce Beresford, drama con Linda Hamilton y John Lithgow, El presidente y Miss Wade (1995) de Rob Reiner, comedia con Michael Douglas y Annette Bening, o Profesor Holland (1995) de Stephen Herek, drama por el que obtuvo su segunda candidatura al Oscar.
Entre los títulos de su restante filmografía figuran Encantado de matarte (1996) de Larry Bishop, comedia negra con Ellen Barkin, Gabriel Byrne, Jeff Goldblum y Diane Lane, La noche cae sobre Manhattan (1997) de Sidney Lumet, policiaco con Andy García y Lena Olin, El viejo que leía novelas de amor (2001) de Rolf de Heer, producción australiana no estenada en salas hasta tres años más tarde, Silver City (2004) de John Sayles, sátira política con Chris Cooper, Poseidón (2006) de Wolfgang Petersen, remake de la aventura marina basada en la novela de Paul Gallico, con Kurt Russell y Josh Lucas, W. (2008) de Oliver Stone, drama biográfico sobre el presidente George W. Bush (Josh Brolin), donde Dreyfuss encarnó al vicepresidente Dick Cheney, o Mi vida en ruinas (2009) de Donald Petrie, comedia romántica con Nia Vardalos. Desde los años 90 ha trabajado más en televisión.
Dreyfuss se ha casado tres veces. Sus primera esposa fue Jeramie Rain (1983-1995), con quien tuvo una hija y dos hijos. Tras su divorcio ha sufrido de trastorno bipolar y desde entonces viene luchando contra su enfermedad maníaco-depresiva. Su segundo matrimonio, con Janelle Lacey (1999-2005) también acabó en divorcio. Actualmente, desde 2006 está casado con su tercera esposa, Svetlana Erokhin.

 

miércoles, 28 de octubre de 2015

Miguel Mihura (Madrid, España, 21-7-1905 / Ibídem, 28-10-1977): In memoriam

COMEDIÓGRAFO INGENIOSO, SATÍRICO E ICONOCLASTA

Hoy se cumplen 38 años del fallecimiento del escritor español Miguel Mihura. Comediógrafo y humorista, a él se debe la renovación del teatro cómico de la posguerra. Sus comedias muestran una voluntad de ruptura con el teatro precedente y su enfoque costumbrista, merced a su gran capacidad para crear tramas sorprendentes manejando con gran habilidad toda clase de recursos escénicos y demostrando un gran ingenio en sus diálogos. A su imaginación se añade su ternura y estilizado lenguaje, además de su combinación del humor trágico con el ridículo, que hacen que su obra sea completamente original y única en la historia del teatro español.
Miguel Mihura Santos era hijo del empresario y actor teatral Miguel Mihura Alvarez. Desde niño vivió en un ambiente que influiría considerablemente en su obra. Después de terminar sus estudios secundarios en el colegio de San Isidoro, abandonó su instrucción académica para dedicarse al dibujo humorístico en diversas publicaciones, como 'Muchas Gracias', 'Buen Humor' y 'Gutiérrez'. En esta etapa compartió viñetas y artículos con autores (todos ellos influenciados por Ramón Gómez de la Serna) como Antonio Lara 'Tono', Edgar Neville o Enrique Jardiel Poncela.
Su humor absurdo se manifiesta en su primera obra teatral, Tres sombreros de copa (1932), un texto que revoluciona el teatro español. Tanta es su audacia que no consigue publicarla hasta 1947 y estrenarla hasta 1952. El resto de su obra se mantendría por debajo del nivel de ésta, ya que Mihura se vería obligado a frenar su libertad creativa, su gran imaginación y su tono crítico.
A mediados de los años 30, Mihura comenzó a trabajar en el cine como guionista y dialoguista. Su labor más recordada en la industria cinematográfica fue la escritura de los diálogos en "Bienvenido Mr. Marshall" (1953) de Luis García Berlanga. También colaboró asiduamente con su hermano Jerónimo.
En los años 30 y hasta 1939 dirigió la revista 'La Ametralladora'. Durante la Guerra Civil se trasladó a San Sebastián, bajo el bando nacional. Finalizada la contienda en 1941, creó y también dirigió la mítica 'La Codorniz', en la que también escribían sus amigos Neville y Tono.
Junto a Joaquín Calvo Sotelo redactó la obra teatral ¡Viva lo imposible! o El contable de estrellas (1939), con Tono estrenó Ni pobre ni rico, sino todo lo contrario (1943), y al lado de Alvaro de la Iglesia escribió El caso de la mujer asesinadita (1946). 
En 1952 por fin se estrenó Tres sombreros de copa, que sería galardonada con el Premio Nacional de Teatro. Posteriormente Mihura publicó Una mujer cualquiera (1953), El caso de la señora estupenda (1953), A media luz los tres (1953), El caso del señor vestido de violeta (1954), Tres citas con el destino (1954), Sublime decisión (1955), La canasta (1955), Mi adorado Juan (1956), Carlota (1957), Melocotón en almíbar (1958), Maribel y la extraña familia (1959), obra por la que vuelve a lograr el Premio Nacional de Teatro, El chalet de madame Renard (1961), Las entretenidas (1962), La bella Dorotea (1963), Milagro en casa de los López (1964), Ninette y un señor de Murcia (1964), que ganó el premio Calderón de la Barca, Ninette, Modas de París (1966), La tetera (1965), La decente (1967) y Sólo el amor y la luna traen fortuna (1968). Tras esta obra Miguel Mihura abandonó el mundo de la literatura. Cuatro años después recibiría el premio Cortina de la Real Academia Española y en 1976 fue nombrado académico. Un año después falleció a la edad de 72.
Casi unánime, la crítica ha encontrado en sus obras una postura ambigua del autor, debatiéndose entre el deseo de responder a las exigencias estéticas del público burgués y sus propias exigencias de libertad creativa. Independientemente del abandono de su primitiva intransigencia, se le reconoce sin embargo el mérito de haber explorado nuevas fronteras teatrales. El propio Eugène Ionesco lo elogió como precursor del teatro del absurdo y por su combinación de elementos trágicos y ridículos, dentro de un talante irracional que a su juicio "puede desvelar, mucho mejor que el racionalismo formal o la dialéctica automática, las contradicciones y la estupidez del espíritu humano". Sin embargo, Mihura tiene una carga poética que no tienen los cultivadores ultrapirenaicos del género; a pesar de los disparates prodigados en el lenguaje, sus personajes conservan una extraordinaria dosis de humanidad. Ello es particularmente aplicable a Tres sombreros de copa, obra que, junto a "Historia de una escalera", de Antonio Buero Vallejo (estrenada en 1949) y "Escuadra hacia la muerte", de Alfonso Sastre (1953), marcan el cambio profundo que experimentó el teatro español de después de la contienda.


Rafael Alberti (Puerto de Santa María, Cádiz, España, 16-12-1902 / Ibídem, 28-10-1999): In memoriam

MARINERO EN TIERRA

A la edad de 96 años, tal día como hoy, hace dieciséis, falleció el escritor español Rafael Alberti, poeta y dramaturgo, miembro de la Generación del 27. Su literatura desarrolla elementos populares inspirados en las costumbres de su tierra andaluza, barrocos, con influencia de Luis de Góngora, y surrealistas, sin perder en parte de su obra un enfoque sociopolítico.

Texto procedente de la página Buscabiografías:

"Me fui con el puño cerrado y vuelvo con la mano abierta como símbolo de paz y fraternidad entre todos los españoles".
Rafael Alberti

Nació el 16 de diciembre de 1902 en Puerto de Santa María (Cádiz), hijo de Agustín Alberti y de María Merello, fue el quinto de seis hermanos. Nieto de bodegueros de origen italiano proveedores de cortes europeas.
Desde su infancia mostró interés por las artes plásticas. Sus inicios fueron en el mundo de la pintura. En 1917 se trasladaba con su familia a Madrid, donde se dedica a copiar pinturas en el Museo del Prado, vocación que prefirió al bachillerato, que jamás terminaría. Después de un período de aprendizaje con la pintura, concurre al Salón Nacional de Otoño y celebra su primera exposición de cuadros y dibujos en el Ateneo.
La nostalgia y el pesar por la muerte de su padre le llevaron a refugiarse en la poesía y dejar la pintura en un segundo plano. Su primer poema lo compone con apenas veinte años. Una incipiente tuberculosis le obliga a pasar algunos meses en un sanatorio de la Sierra de Guadarrama donde tiene la oportunidad de leer y afianzar su vocación literaria. Iría introduciéndose en la Residencia de Estudiantes, donde se relaciona con la Generación del 27 (Dámaso Alonso, Federico García Lorca, Gerardo Diego y Vicente Aleixandre, entre otros), movimiento intelectual que había surgido con motivo del homenaje celebrado en Sevilla en 1927 a Luis de Góngora, en el centenario de su muerte.
En el año 1924, recibió el Premio Nacional de Literatura por el primer libro que publicó, Marinero en tierra. En 1926 se publica La amante, relato poético de un viaje, al año siguiente, un libro de poemas, El alba del alhelí. En 1929 publicó Cal y canto, donde aparecen influencias del ultraísmo. También de ese mismo año es Sobre los ángeles, alegoría surrealista. Se edita Sermones y moradas (1930) y Con los zapatos puestos tengo que morir (1930).
Afiliado al Partido Comunista español, publicó hasta 1937 un conjunto de libros que denominó El poeta en la calle, aparecidos conjuntamente en 1938. De la misma época son sus obras de teatro entre las que destaca Fermín Galán (1931). Más adelante escribió otras obras teatrales como El adefesio (1944) y Noche de guerra en el Museo del Prado (1956). De su poesía no política destacan Entre el clavel y la espada (1941) y A la pintura (1948). En Retornos de lo vivo lejano (1952) y Baladas y canciones del Paraná (1954) incluye canciones muy cercanas a las de Marinero en tierra. El primer libro que publicó a su regreso a Europa fue Roma, peligro de caminantes (1968).
Junto a su compañera, la escritora María Teresa León, se exilia tras la derrota de la República en la Guerra Civil española. Residió en Argentina hasta el año 1962, después en Roma, y no regresó a España hasta 1977, siendo elegido diputado por la provincia de Cádiz. Narra su vida durante los años de destierro en La arboleda perdida (1959 y 1987). Entre la obra posterior a su regreso a España, destaca el libro de carácter erótico, Canciones para Altair, publicado en 1989.
Recibió muchos premios y reconocimientos, entre ellos el Premio Lenin de la Paz en 1966 y el Premio Cervantes en 1983. En 1989 la Diputación de Cádiz creó en su ciudad natal la fundación que lleva su nombre, a la que se trasladó gran parte de su archivo y biblioteca personales.
Tras el fallecimiento de María Teresa León en 1988, contrajo matrimonio en segundas nupcias dos años después con María Asunción Mateo, quien le acompañó y representó durante sus últimos años. Rafael Alberti falleció sobre las 0.30 de la madrugada del 28 de octubre de 1999 en su localidad natal de Puerto de Santa María.



Retornos del amor recién aparecido

Cuando tú apareciste,
penaba yo en la entraña más profunda
de una cueva sin aire y sin salida.
Braceaba en lo oscuro, agonizando,
oyendo un estertor que aleteaba
como el latir de un ave imperceptible.
Sobre mí derramaste tus cabellos
y ascendí al sol y vi que eran la aurora
cubriendo un alto mar en primavera.
Fue como si llegara al más hermoso
puerto del mediodía. Se anegaban
en ti los más lucidos paisajes:
claros, agudos montes coronados
de nieve rosa, fuentes escondidas
en el rizado umbroso de los bosques.

Yo aprendí a descansar sobre tus hombros
y a descender por ríos y laderas,
a entrelazarme en las tendidas ramas
y a hacer del sueño mi más dulce muerte.
Arcos me abriste y mis floridos años
recién subidos a la luz, yacieron
bajo el amor de tu apretada sombra,
sacando el corazón al viento libre
y ajustándolo al verde son del tuyo.
Ya iba a dormir, ya a despertar sabiendo
que no penaba en una cueva oscura,
braceando sin aire y sin salida.

Porque habías al fin aparecido.

(Retornos de lo vivo lejano, 1952)

martes, 27 de octubre de 2015

Conchita Bautista - Sigamos pecando

ES ESTE AMOR PROHIBIDO NUESTRA FELICIDAD

Recordamos el aniversario natal de Conchita Bautista con "Sigamos pecando", bolero escrito por el compositor portorriqueño Benito de Jesús y editado en 1975 como cara B del single "El rey" de la cantante sevillana.

Xavier Cugat and his Orchestra - Alma llanera (Bathing beauty, 1944)

XAVIER CUGAT (Gerona, España, 1-1-1900 / Barcelona, España, 27-10-1990): IN MEMORIAM

Hoy se cumplen veinticinco años del fallecimiento del músico y director de orquesta español Xavier Cugat, pionero en la difusión de la música latina en los Estados Unidos y el resto del mundo.
Xavier Cugat emigró con su familia a Cuba en los primeros años del siglo XX. Aparte de demostrar aptitudes para la música, a muy temprana edad, Xavier también mostraba signos de ser un buen dibujante. De niño, Cugat pasaba mucho tiempo en el taller de un español que fabricaba instrumentos de cuerda y eso le ayudó en su afición musical. A la edad de seis años recibía de su padre su primer instrumento, un violín, y a los doce tocaba en la Orquesta Sinfónica del Teatro Nacional de La Habana. En la capital cubana conoció al tenor Enrico Caruso, quien le pronosticó que tendría un gran éxito en Estados Unidos y mostró su disposición a apadrinarle.
Tiempo después Cugat decide visitar a Caruso y se dirige a Nueva York, pero cuando llega, el tenor se encontraba en Italia. El joven violinista no conocía a nadie más en esa ciudad, no hablaba el idoma inglés, ni tenía dinero para sobrevivir cómodamente. Por pura casualidad, conoció a un compatriota suyo, el catalán Agustí Borgunyó, pianista de 24 años y ambos formaron un dúo de piano y violín. A partir de ese momento su suerte cambió. Luego de muchas presentaciones, Cugat logró reunir suficiente dinero para viajar a Los Ángeles. Una vez en California se encuentra con una compañera de estudios, Rita Montaner, que actuaba en La Habana y forman un dúo de música clásica, logrando tener el éxito suficiente como para realizar una gira a Europa. Poco después Xavier y Rita se casaron, aunque su unión sólo duró de 1918 a 1920.
Tras dirigir una banda llamada The Gigolos en la era del furor por el tango, Cugat fundó su primera orquesta, a la que llamó 'Coconut Grove'. Gracias a su música se relacionó con lo más granado de Hollywood: Charles Chaplin, Greta Garbo, Mary Pickford, Douglas Fairbanks o Rodolfo Valentino. En esos años comienza a ser conocido por sus dibujos y caricaturas. En 1924, el diario Los Angeles Times lo contrata para realizar una caricatura semanal que resulta todo un éxito. Un encargo periodístico le permitió conocer a su segunda esposa. Debía hacer la caricatura de Dolores del Río y la confundió con su doble, la mexicana Carmen Castillo. Esta confusión terminó en boda en 1929. Pronto se hizo famoso al aparecer en fotos y caricaturas con una pipa. Cugat, que veía en todo la posibilidad de hacer algún negocio, puso un negocio de venta de pipas para explotar su imagen con la pipa, que tanto éxito le había dado. En ocasiones dirigía su orquesta mientras sujetaba con su brazo un perrito chihuahua y una batuta en el otro, lo que le dió la idea de dedicarse a la crianza de perros. Tuvo además varios restaurantes, manejados por su hermano, donde se servía comida española con un toque americano. Con su visión de hombre de negocios, aconsejó a Carmen Miranda que usara aquellos atuendos en la cabeza, que luego fueron tan característicos en ella. Descubrió a Rita Cansino que luego se convertiría en la famosa Rita Hayworth y ayudó lograr la fama a muchos otros artistas.
Las fiestas en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York contaron con la orquesta de Cugat durante décadas. Entre los solistas que actuaron en su orquesta figuran nombres como Bing Crosby, Frank Sinatra o Dean Martin. Hizo un programa de radio, que siempre comenzaba con la canción "Siempre en mi corazón" de Ernesto Lecuona, que estuvo en el aire por muchos años. Cugat se convierte así en el primer exponente de música latina y populariza la conga, el mambo, el cha-cha-cha, el tango, el calipso y la música brasileña.
En los años 40 apareció con su orquesta en buen número de películas, la mayoría para MGM, y grabó discos para las compañías RCA Victor, Columbia, Mercury y Decca. Sus grabaciones de "Perfidia" o "Brazil" fueron importantes hits.
Divorciado de su segunda esposa en 1946, un año después se casó con la modelo Lorraine Allen, de quien se divorció en 1952 para casarse con la cantante Abbe Lane, a quien en sus ocho años de convivencia incorporó como vocalista a su orquesta, como posteriormente haría con la española Charo Baeza, con quien estuvo casado entre 1966 y 1978, si bien se separaron a los cuatro años de la boda.
De vuelta en España, en la década de los 80, y para saciar su infatigable sed de negocios, decide instalar una estación de radiodifusión que quería llamar Radio Xavier Gugat; también se entusiasmó por poner un casino en Ibiza y producir además varias películas. Los planes no se realizaron. Cugat falleció a consecuencia de una insuficiencia respiratoria a los 90 años. Nacido con el siglo, había declarado: "El colmo de mi ambición sería morir el 31 de diciembre de 1999", deseo fatalmente incumplido.

   

Una de las películas en las que intervino Xavier Cugat fue "Escuela de sirenas" ("Bathing beauty", 1944), donde interpretó con su orquesta el famoso joropo venezolano Alma llanera, contando con la voz solista de la cantante mexicana Lina Romay, quien colaboró asímismo en otras cintas de Cugat.

lunes, 26 de octubre de 2015

Bob Hoskins (Bury St Edmunds, UK, 26-10-1942 / London, 29-4-2014): In memoriam

RUDO, TIERNO Y VARIOPINTO

Hoy es aniversario natal del actor británico de cine y televisión Bob Hoskins. Dotado de un físico poco convencional, a base de esfuerzo y excelentes actuaciones consiguió hacerse un hueco en el cine, desarrollando una carrera de cuarenta años primero en su país y luego en Hollywood. Comenzó interpretando personajes oscuros para más adelante diversificar su trabajo en todo tipo de papeles en los que demostró talento y versatilidad. Premiado en Cannes, ganador de un BAFTA y un Globo de Oro y una vez candidato al Oscar, en 2002 recibió el Premio Donostia en el Festival de San Sebastián.
Nacido en plena II Guerra Mundial en una población al sureste de Gran Bretaña Robert William Hoskins Jr. pertenecía a una familia que se había visto obligada a abandonar Londres por los bombardeos de la aviación alemana. Bob pasó gran parte de su infancia en el norte de Londres y abandonó el colegio a los quince años. Después inició su carrera artística haciendo actuaciones en teatro a partir de 1968. También realizó infinidad de oficios antes de llegar a la pantalla: tragafuegos, portero del mercado de Covent Garden, desollinador y marinero. Debutante en el cine y la televisión en roles secundarios a comienzos de los 70, su carrera avanzó cuando interpretó a un vendedor fracasado en la miniserie para televisión "Pennies from heaven" (1978). Siguió una serie de participaciones en diversos films, comenzando con su brillante protagonismo en El largo viernes santo (1980) de John Mackenzie, thriller con Helen Mirren donde dio vida a un gangster londinense que cree tener el mundo del hampa en su mano, y participando posteriormente en El muro (1982) de Alan Parker, musical rock con banda sonora de Pink Floyd, Cónsul honorario (1983) de John Mackenzie, adaptación de una novela de Graham Greene con Michael Caine y Richard Gere, Lassiter (1984) de Roger Young, thriller con Tom Selleck, Cotton Club (1984) de Francis Ford Coppola, drama ambientado en el Harlem de los años 30, con Richard Gere, Gregory Hines y Diane Lane, Brazil (1985) de Terry Gilliam, fantasía de ciencia-ficción con Jonathan Pryce, y Dulce libertad (1986) de Alan Alda, comedia con Alan Alda, Michael Caine, Michelle Pfeiffer y Lillian Gish.
Su consagración como estrella llegó con Mona Lisa (1986) de Neil Jordan, neo-noir con Michael Caine, Cathy Tyson y Robbie Coltrane, donde era el chófer de una prostituta de lujo negra de la que está perdidamente enamorado y que se deja arrastrar por esa pasión hasta sus últimas consecuencias. Por ese papel obtuvo el premio al mejor actor en el Festival de Cannes, un BAFTA, un Globo de Oro y una candidatura al Oscar. Luego fue un cura católico en Réquiem por los que van a morir (1987) de Mike Hodges, thriller con Mickey Rourke y Alan Bates, ex-portero de hotel en La solitaria pasión de Judith Hearne (1987) de Jack Clayton, drama con Maggie Smith, investigador privado alcohólico en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) de Robert Zemeckis, mezcla de animación y personajes reales para un gran éxito familiar de taquilla, o gitano al frente de una caravana en El enigma del hechicero (1988), que él mismo dirigió.
En la siguiente década apareció en títulos como Sirenas (1990) de Richard Benjamin, comedia dramática  con Cher y Winona Ryder, El favor, el reloj y el gran pescado (1991) de Ben Lewin, comedia con Jeff Goldblum y Natasha Richardson, La noche de los cristales rotos (1991) de Wolfgang Petersen, thriller con Tom Berenger y Greta Scacchi, Hook (El capitán Garfio) (1991) de Steven Spielberg, fantasía familiar con Dustin Hoffman, Robin Williams y Julia Roberts, El círculo del poder (1991) de Andrei Konchalovsky, producción soviética basada en hechos reales, con Tom Hulce y Lolita Davidovich, Seducción peligrosa (1992) de Russell Mulcahy, thriller con Michael Caine y Sean Young, Super Mario Bros (1993) de Annabel Jankel y Rocky Morton, adaptación de un videojuego de Nintendo (y para el propio Hoskins su peor película), Nixon (1995) de Oliver Stone, drama biográfico protagonizado por Anthony Hopkins, con Hoskins como J. Edgar Hoover, El agente secreto (1996) de Christopher Hampton, adaptación de una novela de Joseph Conrad con Patricia Arquette y Gérard Depardieu, Michael (1996) de Nora Ephron, comedia fantástica con John Travolta, Andie MacDowell y William Hurt, 24.7 (1997) de Shane Meadows, drama deportivo por el que recibió el Premio Europeo al mejor actor, La prima Bette (1998) de Des McAnuff, adaptación de una novela de Balzac con Jessica Lange y Elisabeth Shue, El viaje de Felicia (1999) de Atom Egoyan, thriller psicológico con Elaine Cassidy y Arsinée Khanjian, o White River kid (1999) de Arne Glimcher, comedia itinerante con Antonio Banderas y Ellen Barkin.
Entre los restantes títulos de su filmografía figuran Enemigo a las puertas (2001) de Jean-Jacques Annaud, film bélico que narra el asedio de las tropas alemanas a Stalingrado en 1942, con Joseph Fiennes, Jude Law y Rachel Weisz, donde fue Nikita Khrushchev, Last orders (2001) de Fred Schepisi, comedia dramática con Michael Caine, Tom Courtenay, David Hemmings, Helen Mirren y Ray Winstone, La feria de las vanidades (2004) de Mira Nair, adaptación de Thackeray, con Reese Witherspoon, Beyond the sea (2004) de Kevin Spacey,  musical dramático sobre la vida de Bobby Darin interpretado por el propio director, Danny the Dog (2005) de Louis Leterrier, thrileer de acción y artes marciales con Jet Li y Morgan Freeman, Mrs. Henderson presenta (2005) de Stephen Frears, comedia ambientada en el mundo del teatro londinense de los años 30, con Judi Dench, Tránsito (2005) de Marc Forster, thriller psicológico con Ewan McGregor, Naomi Watts y Ryan Gosling, Hollywoodland (2006) de Allen Coulter, neo-noir con Adrien Brody, Diane Lane y Ben Affleck, Cuento de Navidad (2009) de Robert Zemeckis, película familiar de animación en 3D con Jim Carrey, Pago justo (2010) de Nigel Cole, comedia dramática de contenido social, con Sally Hawkins y Miranda Richardson, o Blancanieves y la leyenda del cazador (2012) de Rupert Sanders, fantasía medieval con Kristen Stewart, Charlize Theron, Chris Hemsworth, su último film antes de retirarse debido a la enfermedad de Parkinson's. 
En televisión tuvo asímismo una relevante carrera: entre otros roles, interpretó con convicción a Benito Mussolini, a Winston Churchill, a Manuel Noriega, a Sancho Panza, al Papa Juan XXIII o a Gepetto, el creador de Pinocchio, siendo premiado con un Emmy por la teleserie "The street".
Bob Hoskins estuvo casado con Jane Livesey (1967-1978), con quien tuvo un hijo y una hija. Tras el divorcio, su segunda esposa  desde 1982 hasta que él murió fue Linda Banwell, matrimonio del que nacieron una hija y un hijo. El actor falleció de una neumonía a los 71 años.


domingo, 25 de octubre de 2015

Orquesta Filarmonía y Coro Escolanía San Martín de La Vega (Madrid) - Marche et Choeur des gamins ("Carmen", Bizet)

AVEC LA GARDE MONTANTE

Recordando el aniversario natal de Georges Bizet, traemos aquí este delicioso fragmento del Acto I de su famosa ópera "Carmen", con dirección musical de Pacual Osa y representado en el Patio del Conde Duque (Madrid, Veranos de la Villa 2004).


Annie Girardot (París, Francia, 25-10-1931 / París, 28-2-2011): In memoriam

EMOTIVA Y TERRENAL

Hoy es aniversario natal de la actriz francesa de cine, teatro y televisión Annie Girardot. Procedente del teatro, fue descubierta por Luchino Visconti y emprendió una prolífica carrera que, con más de 120 películas, más de 50 telefilms y más de 30 obras teatrales, la convirtió en ídolo del público francés. Con su característico peinado a lo garçon  y su rostro expresivo, solía interpretar con acusado realismo a mujeres fuertes, voluntariosas, independientes, luchadoras y solitarias. Entre otros reconocimientos, fue galardonada con una Copa Volpi en Venecia, un David di Donatello italiano y tres premios César.
Annie Girardot nació de una relación adúltera: el padre nunca la reconoció y murió cuando ella tenía dos años, la madre era comadrona. Estudió para enfermera pero su interés por la interpretación la hizo ingresar en el Conservatorio de la Rue Blanche en el que en 1954 se diplomó con dos primeros premios en comedia clásica y moderna, tras lo cual entró a formar parte de la prestigiosa Comédie-Française, donde permaneció hasta 1957. Su talento interpretativo fue bendecido por Jean Cocteau -de quien había estrenado "La máquina de escribir" en 1956-, que proclamó su temperamento dramático como el más valioso de la posguerra. Durante los años siguientes formó parte de diversas compañías, actuando en buen número de obras, algunas tan significativas como las dos en que fue dirigida por Luchino Visconti: "Cualquier día en cualquier esquina" de William Gibson (1958), junto a Jean Marais, o "Después de la caída" (1965) de Arthur Miller, con Michel Auclair, en la que su interpretación de Marilyn alcanzó un resonante éxito.
En el cine debutó con Treize à table (1956) de André Hunebelle y siguió interviniendo en varios títulos del género polar (la denominación francesa del trhiller) que estaba entonces de moda, antes de la irrupción de la nouvelle vague, como, por ejemplo, El comisario Maigret (1958) de Jean Delannoy, con Jean Gabin. Cuando Luchino Visconti la reclamó para el personaje de Nadia, la prostituta del drama familiar Rocco y sus hermanos (1960), Girardot lo encaró con una hondura trágica inolvidable, lo que cambió radicalmente su destino. Durante el rodaje de esa obra maestra coincidió con Alain Delon y con el actor italiano Renato Salvatori, con quien se casó en 1962, manteniendo una tormentosa relación que se prolongó (con separación pero sin divorcio) hasta la muerte de él en 1988 y de la que nació su hija Giulia. Esta circunstancia conyugal propició que pudiera desempeñar su carrera en los dos países, actuando en títulos como Tres menos dos (1961) de Alexandre Astruc, adaptación de una novela de Françoise Sagan, Smog (1962) de Franco Rossi, comedia con Enrico Maria Salerno y Renato Salvatori, El vicio y la virtud (1963) de Roger Vadim, adaptación del Marqués de Sade con Robert Hossein y Catherine Deneuve, El día más corto (1963) de Sergio Corbucci, comedia paródica de "El día más largo", Los camaradas (1963) de Mario Monicelli, drama con Marcello Mastroianni y Renato Salvatori, Se acabó el negocio (1964) de Marco Ferreri, drama con Ugo Tognazzi, Tres habitaciones en Manhattan (1965) de Marcel Carné, drama con Maurice Ronet por el que ganó la Copa Volpi a la mejor actriz en el Festival de Venecia, el episodio "La bruja quemada viva" de Las brujas (1967) de Visconti, Vivir para vivir (1967) de Claude Lelouch, drama triangular con Yves Montand y Candice Bergen, Dillinger ha muerto (1969) y El semen del hombre (1969), dramas ambos de Marco Ferreri, Erotissimo (1969) de Gérard Pirès, comedia con Jean Yanne, Del amor y de la infidelidad (1969) de Claude Lelouch, comedia dramática con Jean-Paul Belmondo, Historia de una mujer (1970) de Leonardo Bercovici, drama con Robert Stack, James Farentino y Bibi Andersson, o La profesional y la debutante (1970) de Guy Casaril, comedia con Brigitte Bardot.
El enorme éxito de Morir de amor (1970) de André Cayatte, drama romántico con Bruno Pradal basado en un hecho real (las relaciones amorosas de una maestra con su discípulo), la elevó a estrella popular de primera magnitud en Francia. Su versatilidad y el aplomo que proporciona el estrellato le permitíeron transitar con facilidad de personajes en la frontera de la melancolía (La solterona, 1971, de Jean-Pierre Blanc, con Philippe Noiret), el desgarro (Amor en rebeldía, 1972, de Serge Korber, con Jean Rochefort) o la locura (Tratamiento de shock, 1973, de Alain Jessua, con Alain Delon) o incluso vehículos para 'rivales' más jóvenes: Marlene Jobert en Cuando la mujer dice no (1974) de Rémo Forlani, con Pierre Richard o Isabelle Adjani en La bofetada (1974) de Claude Pinoteau, con Lino Ventura.
Trabajadora infatigable, con una filmografía cuantiosa, continuó apareciendo en películas como El sospechoso (1975) de Francesco Maselli, drama criminal con Gian Maria Volontè y Renato Salvatori, Alias el gitano (1975) de José Giovanni, drama criminal con Alain Delon y Paul Meurisse, La vida privada de una doctora (1976) de Jean-Louis Bertuccelli, drama con Jean-Pierre Cassel y François Périer por el que fue premiada con su primer César, Cada uno con su infierno (1977) de André Cayatte, con Hardy Krüger y Bernard Fresson, Mi querida comisario (1978) de Philippe de Broca, comedia con Philippe Noiret, Votad al señor alcalde (1978) de Claude Zidi, comedia con Louis de Funès, Una mujer sola (1978) de Yves Boisset, drama con Patrick Dewaere, El embaucador (1979) de Philippe de Broca, comedia con Jean Rochefort, o Un traje negro para un asesino (1981) de José Giovanni, drama con  Claude Brasseur, Bruno Cremer y Jacques Perrin, a partir del cual fue espaciando más sus apariciones en la gran pantalla y regresando al teatro.
En su última etapa intervino en Cinco días en junio (1989) de Michel Legrand, Hay días... y lunas (1990) de Claude Lelouch, Merci la vie (1991) de Bertrand Blier, Testigo de excepción (1995) de Claude Lelouch, versión libre de "Los miserables" de Victor Hugo ambientada en la II Guerra Mundial por la que ganó el César a la mejor actriz secundaria, Caín, el preferido (1998) de Gregoire Delacourt, La pianista (2001) de Michael Haneke, su tercer César (segundo como mejor actriz secundaria), o Caché (2005) de Michael Haneke. Diagnosticada de Alzheimer, rodó un film en que ella interpretaba a una enferma con ese mal, Y tan amigos (2005) de Eric Toledano y Olivier Nakache, y más tarde se prestó a un documental televisivo sobre ella como paciente de Alzheimer, "Annie Girardot: Así va la vida" (2008) de Nicolas Baulieu, a fin de concienciar al mundo sobre la enfermedad.
Entre sus amantes figuraron el cantante Jacques Brel, el cineasta Claude Lelouch, el actor Bernard Fresson o el realizador y letrista Bob Decout. En 1989 publicó sus memorias, "Vivre d'aimer". Su fallecimiento a los 79 años conmovió a toda Francia y multitud de sus compañeros de profesión estuvieron presentes en sus exequias.


sábado, 24 de octubre de 2015

Tribute to Kevin Kline (St. Louis, Missouri, 24-10-1947)

ADAPTABLE A CUALQUIER GÉNERO

El actor estadounidense Kevin Kline cumple hoy 68 años. De talento probado tanto para el drama como para la comedia, accedió a la gran pantalla tras una amplia experiencia en el teatro y dos Premios Tony que le avalaban. Más adelante consiguió un Oscar al mejor actor secundario y ha desarrollado una extensa, variada y reconocida carrera en cine, teatro y televisión.
Nacido en el seno de una familia amante de las artes, después de concluir sus estudios secundarios en su localidad de nacimiento, Kevin Delaney Kline estudió interpretación en la Universidad de Indiana y más tarde en Nueva York. Posteriormente se incorporó al teatro trabajando con John Houseman y se especializó en representar obras de William Shakespeare de gira con la compañía de teatro Acting Company. Su talento interpretativo, tanto en obras de Broadway como en funciones off-Broadway, le llevó a conseguir dos premios Tony al mejor actor en un musical, uno en 1978 por "On the twentieh century", y el segundo en 1981 por "The pirates of Penzance", musical que protagonizó también en el cine.
Tras intervenir en producciones para la televisión, Kevin debutó en la pantalla grande a comienzos de los años 80 con Meryl Streep como oponente en La decisión de Sophie (1982), un film basado en una novela de William Styron que fue dirigido por Alan J. Pakula. Siguieron el musical Los piratas de Penzance (1983), versión fílmica de varias operetas cómicas de Gilbert y Sullivan, con Angela Lansbury y Linda Ronstadt como compañeras de reparto, que obtuvo buenas críticas pero nefasto resultado comercial, Reencuentro (1983) de Lawrence Kasdan, comedia dramática con Tom Berenger Glenn Close, Jeff Goldblum y William Hurt entre otros actores que interpretaron a un grupo de amigos reunidos quince años después de haber sido compañeros de universidad, Silverado (1985) de Lawrence Kasdan, western con un reparto que incluía a Scott Glenn, Danny Glover, Kevin Costner, John Cleese, Jeff Goldblum, Linda Hunt y Brian Dennehy, Nostalgia de un amor (1986) de Jack Fisk, drama romántico con Sissy Spacek, y Grita libertad (1987) de Richard Attenborough, drama sobre el apartheid sudafricano en los años 70, con Denzel Washington.
Por la exitosa comedia Un pez llamado Wanda (1988) de Charles Crichton, con John Cleese, Jamie Lee Curtis y Michael Palin, ganó el Oscar al mejor actor secundario y se consolidó como estrella, protagonizando en lo sucesivo títulos como El asesino del calendario (1989) de Pat O'Connor, comedia de intriga con Susan Sarandon, Te amaré hasta que te mate (1990) de Lawrence Kasdan, comedia negra con Tracey Ullman, William Hurt, River Phoenix, Joan Plowright y Keanu Reeves, Escándalo en el plató (1991) de Michael Hoffman, comedia sobre el mundo de la televisión con Sally Field, Robert Downey Jr. y Whoopi Goldberg, Grand Canyon  (1991) de Lawrence Kasdan, drama de historias cruzadas con Danny Glover, Steve Martin, Mary McDonnell, Mary-Louise Parker y Alfre Woodard, Dobles parejas (1992) de Alan J. Pakula, thriller con  Mary Elizabeth Mastrantonio, Kevin Spacey y Rebecca Miller, Chaplin (1992) de Richard Attenborough, biopic sobre el famoso cómico británico encarnado por Robert Downey Jr. donde Kline era Douglas Fairbanks, Dave, presidente por un día (1993) de Ivan Reitman, comedia con Sigourney Weaver, French kiss (1995) de Lawrence Kasdan, comedia con Meg Ryan, Criaturas feroces (1997) de Robert Young y  Fred Schepisi, comedia farsesca con John Cleese, Jamie Lee Curtis y Michael Palin, La tormenta de hielo (1997) de Ang Lee, drama con Joan Allen y Sigourney Weaver, In & out (1997) de Frank Oz, exitosa comedia que retrata los problemas de "salir -involuntariamente- del armario" en la piel de un profesor de un tranquilo pueblecito americano al que un antiguo alumno le declara homosexual públicamente en vísperas de su boda, con Joan Cusack, Matt Dillon, Debbie Reynolds y Tom Selleck, El sueño de una noche de verano (1997) de Michael Hoffman, adaptación de la comedia de Shakespeare, con Rupert Everett y  Michelle Pfeiffer, Wild wild west (1999) de Barry Sonnenfeld, western futurista con Will Smith, La casa de mi vida (2001) de Irwin Winkler, drama familiar con Kristin Scott Thomas y Hayden Christensen, El club de los emperadores (2002) de Michael Hoffman, drama sobre un profesor y sus alumnos en un colegio elitista, o De-lovely (2004) de Irwin Winkler, biopic sobre el legendario compositor americano Cole Porter, con Ashley Judd.
El resto de su filmografía lo componen mayormente roles de carácter en películas como La pantera rosa (2006) de Shawn Levy, remake del film del mismo título dirigido por Blake Edwards en 1963, con Steve Martin y Beyoncé Knowles, El último show (2006) de Robert Altman, comedia dramática de reparto multiestelar sobre el último programa de una emisoria de radio americana, Como gustéis (2006) de Kenneth Branagh, traslación de la comedia de Shakespeare, de limitada difusión, Definitivamente, quizás (2008) de Adam Brooks, comedia romántica con Ryan Reynolds y Rachel Weisz, La conspiración (2010) de Robert Redford, drama judicial de época con James McAvoy y Robin Wright, Sin compromiso (2011) de Ivan Reitman, comedia romántica con Natalie Portman y Ashton Kutcher, ¡Por fin solos! (2012) de Lawrence Kasdan, comedia dramática con Diane Keaton, Plan en Las Vegas (2013) de Jon Turteltaub, comedia dramática con Michael Douglas, Robert De Niro y Morgan Freeman, La última aventura de Robin Hood (2013) de Richard Glatzer y Wash Westmoreland, biopic sobre la decadencia del actor hollywoodiense Errol Flynn, con Susan Sarandon y Dakota Fanning, Mi casa en París (2014) de Israel Horovitz, comedia dramática con Kristin Scott Thomas y Maggie Smith, o Ricki (2015) de Jonathan Demme, retrato de una familia disfuncional con Meryl Streep.
Kevin Kline está casado desde 1989 con la actriz Phoebe Cates, con quien ha tenido un hijo y una hija.



viernes, 23 de octubre de 2015

Toña la Negra - Ya nunca vuelvo a querer

YO SÉ QUE ES EN VANO QUERER EN LA VIDA

Mario Fernández Porta fue un compositor cubano cuyas canciones fueron popularizadas en México y otros países latinoamericanos por artistas como Toña la Negra. He aquí uno de sus más bellos boleros.

Al Jolson - My mammy (The jazz singer)

I KNOW WHERE THE SUN SHINES BEST

Recordamos el aniversario del fallecimiento del legendario entertainer Al Jolson con esta secuencia de "El cantor de jazz" (1927), película inaugural del cine sonoro que lo convirtió en celebridad mundial y en la que interpretó una de sus canciones más emblemáticas con su característica imagen de cara pintada de negro y guantes blancos. La canción My mammy, escrita por Donaldson/Young/Lewis y estrenada en vaudeville por William Frawley, fue incorporada por Jolson a su repertorio en 1918 y más adelante la cantó en la citada película y en otras sucesivas.


jueves, 22 de octubre de 2015

Georges Brassens - La mauvaise réputation

GEORGES BRASSENS (Sète, France, 22-10-1921 / Saint-Gély-du-Fesc, France, 29-10-1981): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del cantautor y poeta francés Georges Brassens. La simplicidad de sus canciones contrasta con unos textos llenos de ironía, de alto contenido político y crítica social. Admirado por muchos de los autores e intérpretes europeos interesados en encontrar en la música un medio de comunicación de ideas, sus temas han sido objeto de versiones en múltiples ocasiones por artistas franceses (Juliette Gréco, Françoise Hardy, Carla Bruni), españoles (Paco Ibáñez, Joan Manuel Serrat, Loquillo), italianos (Fabrizio de Andrè), o de otras latitudes (Nacha Guevara).
Procedente de una humilde familia obrera, se trasladó a París en 1939, tras realizar estudios elementales, y trabajó en la factoría Renault. De ideología libertaria, militó en la resistencia francesa durante la ocupación alemana de París. Colaboró con la publicación clandestina 'Libertaires' y, en 1942, publicó su primer libro de poemas. Durante la guerra, fue enviado a Berlín, Alemania, para realizar trabajo obligatorio en la compañía BMW. Durante un permiso huyó a París, donde tuvo que esconderse hasta la liberación de la capital francesa en 1944.
A principios de los cincuenta, tras ser descubierto por la cantante Patachou, comenzó a actuar en cabarets acompañándose a la guitarra y a grabar sus primeras canciones (Le gorille de 1951, La mauvaise reputation y Les amoureux des bancs publics de 1952, Chanson pour l'auvergnant de 1955, Je me suis fait tout petit y Marinette de 1956, Les copains d'abord de 1964). Su peculiar forma de hacer le lleva a ser referencia obligada para los intelectuales franceses del momento y sus periódicas presentaciones en el Olympia de París son seguidas por públicos de más de una generación. El director cinematográfico René Clair, amigo personal del cantautor, le reclamó para intervenir como actor en el film "Porte des Lilas" (1957). Brassens mantuvo intacto su prestigio hasta su fallecimiento a los 60 años a consecuencia de un cáncer hepático.
Con la muerte de Georges Brassens empieza a fraguarse su particular leyenda que alentaba ya en vida el sonido de su voz grave y escueta, eternizada en las grabaciones, y su silueta inconfundible, poblada cabellera y frondosos bigotes de anarquista abrazado a su guitarra.



La mauvaise réputation, la canción más popular y versionada de Georges Brassens, apareció en su álbum homónimo de 1952. La letra versa sobre un pequeño pueblo, en el que vive un inconformista tranquilo que se niega a asistir a la fiesta nacional francesa del 14 de julio o que deja escapar a los ladrones de manzanas.

Franz Liszt - Liebestraum (Love dream)

FRANZ LISZT (Raiding, Imperio Austrohúngaro, 22-10-1811 / Bayreuth, Baviera, Imperio alemán, 31-7-1886): IN MEMORIAM

Hoy es aniversario natal del compositor y pianista húngaro Franz Liszt. Fue el precursor del recital para piano y, a través de sus numerosos discípulos, el pianista más influyente del siglo XIX. Una de las personalidades más importantes de su tiempo, innovador de la armonía mediante el uso de complicados acordes cromáticos e investigador de nuevos procedimientos musicales con su técnica de variaciones temáticas, sus composiciones para piano requerían una técnica compleja y revolucionaria que otorgó al instrumento un color y sonoridad completamente nuevas. Virtuoso sin par, durante toda su trayectoria vital, y sobre todo durante su juventud, se rodeó de una aureola de artista genial, violentamente escindido entre el arrebato místico y el éxtasis demoníaco.
Paradigma del artista romántico, Liszt Ferencz (su nombre en húngaro), fue un niño prodigio que, habiendo comenzado a estudiar piano con su padre, llegó a provocar el entusiasmo del mismo Beethoven, músico poco dado por naturaleza al elogio. Alumno en Viena de Carl Czerny y Antonio Salieri, sus recitales causaron sensación y motivaron que en 1923 se trasladara con sus padres a París, donde pronto se dio a conocer como pianista y en 1825 presentó la única ópera de su catálogo, Don Sanche ou Le Château d'amour, fríamente acogida por un público que veía en el pequeño más un prodigioso pianista que un compositor.
En la capital gala conoció a dos de los músicos que habían de ejercer mayor influencia en su formación: el compositor Hector Berlioz con su Sinfonía fantástica y, en mayor medida aún, el violinista Niccolò Paganini. La audición de un recital de este último en 1831 constituyó una revelación que incidió de modo decisivo en la forma de tocar del joven virtuoso: desde aquel momento, el objetivo de Liszt fue lograr al piano los asombrosos efectos que Paganini conseguía extraer de su violín. Y lo consiguió, en especial en sus doce Estudios de ejecución trascendente, sus veinte Rapsodias húngaras, y las piezas que forman los tres volúmenes de Años de peregrinación
Idolo de los salones parisinos, del año 1834 data su relación de diez años con Marie d'Agoult, condesa de Flavigny y escritora con el seudónimo de Daniel Stern, de la cual nació su hija Cosima, futura esposa del director de orquesta Hans von Bülow primero, y de Richard Wagner después. Su carrera musical, mientras tanto, proseguía imparable, y entre 1839 y 1847 realizó giras por Europa y consiguió una fama sin precedentes (la famosa Lisztomanía). Este último año abandonó su carrera como virtuoso y sólo en contadas ocasiones volvió a tocar en público; también conoció a la princesa rusa Caroline Sayn-Wittgenstein, que permanecería a su lado hasta su muerte. En 1848 obtuvo el puesto de maestro de capilla de Weimar, ciudad que convirtió en un foco de difusión de la música más avanzada de su tiempo, en especial la de Wagner, de quien estrenó Lohengrin, y la de Berlioz, del que representó Benvenuto Cellini.
Si hasta entonces su producción se había circunscrito casi exclusivamente al terreno pianístico, los años que vivió en Weimar marcaron el inicio de su dedicación a la composición de grandes obras para orquesta, entre las que sobresalen las sinfonías Fausto y Dante, sus más célebres poemas sinfónicos (Tasso, Los Preludios, Mazeppa, Orfeo) y las versiones definitivas de sus dos Conciertos para piano y orquesta. Fue la época más prolífica en cuanto a nuevas obras, favorecida por el hecho de que el músico decidió abandonar su carrera como virtuoso para centrarse en la creación y la dirección.
Sin embargo, diversos conflictos e intrigas con las autoridades de la corte y el público lo indujeron a dimitir de su cargo en 1858. Tres años después se traslada a Roma, donde estudió teología. Se iniciaba así la última etapa de su vida, dominada por un profundo sentimiento religioso que le llevó a recibir en 1865 las órdenes menores y a escribir una serie de composiciones sacras entre las que brillan con luz propia los oratorios La leyenda de santa Isabel de Hungría y Christus, aunque no por ello el abate Liszt -como empezó a ser conocido desde aquel momento- perdió su afición a los placeres terrenales. Después de 1871 vivió entre Roma, Weimar y Budapest, y continuó con sus labores de director, maestro, compositor y promotor de la música de Wagner. Aparte de sus logros como pianista y director, dio clases a más de cuatrocientos alumnos, compuso unas 350 obras y escribió o colaboró en ocho volúmenes en prosa. Falleció en Bayreuth a los 74 años a consecuencia de una neumonía.
Su aportación a la historia de la música puede resumirse en dos aspectos fundamentales: por un lado amplió los recursos técnicos de la escritura y la interpretación pianísticas, y por otro dio un impulso concluyente a la música de programa, aquella que nace inspirada por un motivo extramusical, sea éste literario o pictórico. Padre del poema sinfónico, su influencia en este campo fue decisiva en la obra de músicos posteriores como Smetana, Saint-Saëns, Franck o Richard Strauss. No menos interés tiene la novedad de su lenguaje armónico, en cuyo cromatismo audaz se anticipan algunas de las características de la música de su amigo y más adelante yerno Richard Wagner e, incluso, de los integrantes de la Segunda Escuela de Viena. Todas estas características hacen de Liszt un músico revolucionario.

(Texto procedente de la página Biografías y Vidas con aportaciones de otras fuentes) 

 

Liebesträume. Drei notturni (Sueños de amor. Tres nocturnos) es una serie de tres obras para piano solo de Franz Liszt. Fueron publicadas en 1850. A menudo se utiliza el término para referirse específicamente al tercer Liebestraum, que es el más famoso de los tres.

miércoles, 21 de octubre de 2015

Celia Cruz - Más fuerte que tu amor

CELIA CRUZ (La Habana, Cuba, 21-10-1925 / Fort Lee, New Jersey, US, 16-7-2003): IN MEMORIAM

Hoy se conmemora el 90 aniversario del nacimiento de la cantante cubana Celia Cruz, una de las más importantes intérpretes de música latina del siglo XX. A lo largo de más de medio siglo de trayectoria artística, la indiscutible 'Reina de la Salsa' grabó alrededor de setenta álbumes y ochocientas canciones, cosechó veintitrés discos de oro y recibió cinco premios Grammy. Mucho más relevantes, sin embargo, fueron las innumerables giras y conciertos que prodigó por incontables países y que hicieron de ella embajadora mundial de la música cubana. Ciertamente, Celia Cruz será siempre recordada por aquellas sensacionales actuaciones en directo en las que desplegaba todo el magnetismo de su voz y de su arrolladora personalidad, conciertos en los que era imposible no bailar y no sentirse contagiado de su inagotable vitalidad y alegría.
Hija de un fogonero, desde muy joven, mientras cursaba estudios de magisterio, frecuentó programas de radio donde se daba oportunidad a los artistas noveles. En la más prestigiosa de estas emisiones, La Corte Suprema del Arte, consiguió su primer premio (quince dólares) cantando el tango "Nostalgia". Más tarde se inscribió en el Conservatorio Nacional de Música en Cuba para completar sus estudios formales en música. Seguidora de la orquesta de Senón Alvarez, de las canciones de Joseíto Fernández y de Paulina Álvarez, se inició en el mundo del espectáculo cantando en clubes nocturnos y cabarets de la capital. Desde 1950 fue la voz de la orquesta Sonora Matancera, y desde entonces fue llamada 'la Reina Rumba'. Con la Sonora, una banda que cultivaba los ritmos negros, se trasladó a México en el año 1959. En 1961, ya casada con el trompeta Pedro Knight, se radica en Estados Unidos y además de su trabajo con la Sonora, inicia la colaboración con músicos como Tito Puente o Johnny Pacheco.
Maestra en el arte de improvisar en sus actuaciones en directo, sus inicios en el movimiento de la salsa los marcó su colaboración en la salsópera "Hommy" de Larry Harlow, representada en el Carnegie Hall de la ciudad de Nueva York en 1973, en donde interpretó al personaje de 'La Gracia Divina'. Posteriormente participó con las Estrellas de Fania cantando su clásico "Bemba colorá" en el concierto grabado en vivo en el Yankee Stadium, para después, en 1974 grabar con Johnny Pacheco el disco titulado Celia and Johnny que con "Toro mata" y "Quimabara" se convirtió en un clásico de la salsa. A partir de ahí, además de haber producido otros discos muy importantes con Pacheco, grabó de manera estelar acompañada de las grandes orquestas del movimiento de la salsa como Willie Colón, Ray Barretto e incluso una reunión con la Sonora Matancera titulada Feliz encuentro.
Realizó numerosas giras con The Fania All Stars por todo el mundo. Su prolífica discografía -decía tener un disco grande por cada año de su larga vida- se enriqueció con colaboraciones en terreno ajeno. Apareció en Los reyes del mambo (1992), versión Hollywood de la novela de Oscar Hijuelos y colaboró con músicos de diferentes países.
Enfundada en sus fastuosos y extravagantes vestidos, tocada con pelucas imposibles y encaramada sobre sus zapatos únicos de altísimo tacón, '¡Azúcar!' era su potente grito infeccioso, la contraseña de apertura y cierre de sus conciertos y la clave para hacerse entender en todo el mundo. Difícilmente alguien ha bailado más y ha hecho bailar más que esta cubana de sonrisa vivaz y persistente que conquistó adeptos de todas las latitudes a lo largo de más de cincuenta años de triunfante trayectoria. Cantante de guarachas, danzones, sones, boleros  y rumbas en sus comienzos, Celia Cruz siempre estuvo abierta a nuevas experiencias que la llevaron a abordar otros ritmos y a unirse a proyectos en principio arriesgados para una artista consagrada.
El 13 de marzo de 2003 apareció por última vez en público en el homenaje que la comunidad latina le tributó en el teatro Jackie Gleason de Miami. Por esos días, entre febrero y marzo, grabó un último disco que no llegaría a ver editado: Regalo del alma. Celia Cruz falleció a los 77 años acompañada en sus últimos momentos por su marido, el trompetista Pedro Knight, en su hogar de Nueva Jersey. El año anterior fue operada de un quiste canceroso en un pecho y luego de un tumor cerebral.
Miles de compatriotas desfilaron ante sus restos primero en Miami y luego en Nueva York, donde recibió sepultura. También los cubanos de la isla, pese a la prohibición oficial que había pesado sobre su música durante más de cuarenta años, lamentaron la desaparición de la gran embajadora musical de Cuba. Pocos días después de su fallecimiento fue homenajeada por sus compañeros de profesión en la gala de entrega de los Grammy latinos.



Más fuerte que tu amor, bolero escrito por el gran compositor mexicano Luis Demetrio, apareció en el álbum Bravo (1967) de Celia Cruz, grabado y editado en México.