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viernes, 31 de julio de 2015

Tribute to Geraldine Chaplin (Santa Mónica, California, US, 31-7-1944)

GERALDINE EN EL MUNDO, GERARDA EN ESPAÑA

La actriz británica (nacida en los Estados Unidos) Geraldine Chaplin cumple hoy 71 años. De presencia frágil e inconvencional, tras de sí tiene una prolífica trayectoria fílmica internacional de cincuenta años, en los que, además de sus nueve películas con Carlos Saura, ha podido ser vista en numerosos títulos de las más dispares cinematografías. Fue ganadora de un premio Goya a la mejor actriz de reparto y en 2006 recibió la Medalla de Oro de la Academia de Cine de España en reconocimiento al conjunto de su carrera.
La hija mayor del célebre cineasta Charles Chaplin y de su cuarta y última esposa, Oona O’Neill, y nieta del dramaturgo Eugene O’Neill, vivió en los Estados Unidos hasta los ocho años. Su famoso padre, inglés que nunca adquirió la nacionalidad americana, ante el terrible acoso del tristemente célebre Comité de Actividades Antiamericanas que le acusaban de simpatizante comunista, optó por abandonar Hollywood con su familia y establecerse en Europa, donde continuó su carrera. Geraldine cursó sus estudios primarios en Suiza y más tarde estudió danza en el Royal Ballet de Londres. Su debut en el cine (sin acreditar) se produjo en "Candilejas" (1952), dirigida y protagonizada por su padre. Ya profesionalmente debutó en Secuestro bajo el sol (1965) de Jacques Deray, drama criminal con Jean-Paul Belmondo. Logró relevancia en la gran pantalla cuando interpretó a Tonya en Doctor Zhivago (1965) de David Lean, adaptación de la novela de Boris Pasternak, que coprotagonizaron Omar Sharif y Julie Christie.
Luego de intervenir en varias producciones europeas se afincó en España tras rodar Peppermint frappé (1967) de Carlos Saura, un drama coprotagonizado por José Luis López Vázquez, al que siguieron otros títulos dirigidos por Saura, con quien estableció una relación sentimental: Stress-es tres-tres (1968), La madriguera (1969), El jardín de las delicias (1970), Ana y los lobos (1973), Cría cuervos (1976), Elisa, vida mía (1977), Los ojos vendados (1978) y Mamá cumple cien años (1979). Actriz internacional, además participó en otras películas como Los indomables (1970) de Tom Gries, La casa sin fronteras (1972) de Pedro Olea, Los tres mosqueteros: Los diamantes de la reina (1973) y Los cuatro mosqueteros (1974), ambas de Richard Lester, adaptaciones de la novela de Dumas donde interpretó a la Reina Ana de Austria, Nashville (1975) y Buffalo Bill y los indios (1976), las dos de Robert Altman, Bienvenido a Los Ángeles (1976) de Alan Rudolph, Viento del Noroeste (1976) de Jacques Rivette, Roseland (1977) de James Ivory, In memoriam (1977) de Enrique Brasó, Recuerda mi nombre (1978) de Alan Rudolph, Un día de boda (1978) de Robert Altman, o La viuda de Montiel (1979) de Miguel Littin. Rota en 1979 su relación con Carlos Saura, de la que en 1974 había nacido su hijo Shane, inició una relación con el director de fotografía chileno Patricio Castilla, con quien tendría a su hija Oona, y en 1982 se trasladó en Suiza. Hasta el año 2006 no se casaron.
En los años 80 y 90 actuó en títulos fuera de España como El espejo roto (1980) de Guy Hamilton, Los unos y los otros (1981) de Claude Lelouch, La vida es una novela (1983) de Alain Resnais, El amor por tierra (1984) de Jacques Rivette, Pasiones en Kenia (1987) de Michael Radford, Los modernos (1988) de Alan Rudolph, El regreso de los mosqueteros (1989) de Richard Lester, Quiero volver a casa (1989) de Alain Resnais, Chaplin (1992) de Richard Attenborough, biopic sobre su padre protagonizado por Robert Downey, Jr. donde Geraldine interpretó a su abuela Hannah, La edad de la inocencia (1993) de Martin Scorsese, A casa por vacaciones (1995) de Jodie Foster, Jane Eyre (1996) de Franco Zeffirelli, Madre Teresa: En el nombre de los pobres (1997) de Kevin Connor, o La prima Bette (1998) de Des McAnuff. Finalizando los 90 volvió al cine español para aparecer en Finisterre (1998) de Xavier Villaverde.
Desde entonces la cinematografía española ha contado más asiduamente con su presencia en films como En la ciudad sin límites (2002) de Antonio Hernández, drama familiar de intriga con Leonardo Sbaraglia y Fernando Fernán Gómez, por el que ganó el Goya a la mejor actriz de reparto, Hable con ella (2002) de Pedro Almodóvar, Oculto (2005) de Antonio Hernández, El orfanato (2007) de Juan Antonio Bayona, exitoso thriller sobrenatural protagonizado por Belén Rueda que supuso a Geraldine su segunda candidatura al Goya como actriz de reparto, Teresa: el cuerpo de Cristo (2007) de Ray Loriga, La isla interior (2009) de Félix Sabroso y Dunia Ayaso, ¿Para qué sirve un oso? (2011) de Tom Fernández, o Lo imposible (2012) de Juan Antonio Bayona. Ello no ha impedido que la actriz continuase participando en producciones internacionales. También ha trabajado en televisión.


jueves, 30 de julio de 2015

Emily Brontë (Thornton, Yorkshire, UK, 30-7-1818 - Haworth, Yorkshire, UK, 19-12-1848): In memoriam

LA INTENSIDAD BRUTAL DEL SENTIMIENTO

Poetisa y narradora británica, Emily Brontë fue autora de una única y extraordinaria novela que le dio celebridad, Cumbres borrascosas, publicada el año antes de su muerte, y considerada una de las mejores narraciones en lengua inglesa y obra maestra de la narrativa romántica victoriana. En ella retrató las energías primitivas del amor y el odio como nunca antes se había visto en las letras de su tiempo.

Texto procedente de la página Biografías y Vidas:

Emily Brontë era la quinta hija de un párroco anglicano de origen irlandés, hombre excéntrico y cerrado. Cuando en 1821 murió la madre, la familia contaba con cinco niñas y un muchacho, prole enfermiza, muy precoz y llena de ímpetus artísticos. La tuberculosis no tardó en llevarse a las dos hermanas mayores. Las otras, confiadas a los ásperos cuidados de una tía materna, vivieron años solitarios entre la salvaje y desolada vegetación del entorno; el espíritu de la pequeña Emily comenzó a descubrir, en el silencio y en las voces de aquella naturaleza, místicas y sobrenaturales correspondencias; a percibir, en los grises acontecimientos de sus días, vibraciones metafísicas y demoníacas, y a experimentar, en el verdadero corazón de la soledad y la melancolía, mudos éxtasis de alegría silvestre.
Emily compartía la pasión por la poesía y la lectura con sus dos hermanas: Charlotte, la mayor, más serenamente romántica y sutilmente irónica, y Anne, la menor, apacible y dulce. Todavía adolescentes, las tres muchachas escribían versos y relatos fantásticos (los ciclos narrativos Leyendas de Anglia y Gondal). En 1842, decididas a ganarse la vida con la enseñanza, Charlotte y Emily marcharon a estudiar francés a Bruselas; fue ésta una época de amargo destierro para Emily, torturada por la nostalgia de su agreste país.
Vuelta a Haworth, la parroquia donde su hermano Branwell, embrutecido por el abuso de alcohol y opio, se entregaba a terribles accesos de cólera, Emily escribió poesías; sus versos, confesiones líricas de su alma ingenua y tenaz, fueron publicados en 1846, gracias al interés de Charlotte, en una colección de poemas de las tres hermanas publicados con seudónimos masculinos: Poemas de Curre, Ellis y Acton Bell; sólo dos ejemplares de esta obra se vendieron.
Los poemas de Emily Brontë muestran una profunda vitalidad que, privada de las circunstancias de toda posibilidad de expansión, se orienta con ardor hacia el espíritu, alimentándose de sí misma, en su capacidad de multiplicar las resonancias de todo hecho por pequeño que sea y de amar a la naturaleza aun en el aspecto triste y salvaje de la región donde pasó lo mejor de sus años. Son especialmente celebrados sus poemas "Remembranza" (sin duda la más bella poesía del conjunto), "Una escena de muerte" y "Mi ánimo no es vil".
No resultó más afortunada la publicación, el año siguiente, de la gran novela de Emily, Cumbres borrascosas, posiblemente la expresión más genuina, profunda y contenida del alma romántica inglesa. La historia de pasión ciega y necrófila que protagonizan la joven Catherine Earnshaw y el huérfano Heathcliff y que lleva a su destrucción y a la de sus hijos o herederos, ha concitado una justificada veneración, tanto por sus juegos de contrastes físicos y topográficos como por su estilo vigoroso, clásico, de frase extraordinariamente sonora. También por la complejísima construcción de voces y de tiempos, que va refractando los hechos narrados hasta convertirlos en fragmentos oscuros u oníricos.
En 1848 su hermano Branwell, víctima de "delirium tremens", precedió por algunos meses en la muerte a las hermanas Anne y Emily. Esta última se extinguió rápidamente a través de dolores soportados con duro estoicismo, y sólo dos horas antes de morir a los 30 años, luego de haberse levantado y vestido penosamente, permitió que fuera llamado un médico.

Emily Brontë, 1847

miércoles, 29 de julio de 2015

William Powell (Pittsburgh, Pennsylvania, US, 29-7-1892 / Palm Springs, California, US, 5-3-1984): In memoriam

EL DANDY IRÓNICO

Hoy es aniversario natal del actor estadounidense William Powell, una de las estrellas más importantes y distinguidas de tres décadas del Hollywood dorado, los años 20, 30 y 40. Destacó fundamentalmente como sólido intérprete de comedias, a las que aportó suaves matices de ironía y cinismo. Fue candidato al Oscar al mejor actor en tres ocasiones, aunque nunca lo consiguió.
Hijo único, William Horatio Powell mostró tempranas dotes para la actuación. En 1907 se trasladó con su familia a Kansas City, Missouri, donde se graduó tres años más tarde, marchando a continuación a Nueva York para estudiar arte dramático. Después de trabajar en compañías de vaudeville y teatro de repertorio, tuvo experiencias exitosas en escenarios de Broadway. En 1915 se casó con Eileen Wilson, matrimonio que finalizaría en divorcio en 1930 y del que nació su único hijo. En 1922 dio el salto a la gran pantalla gracias a un contrato firmado con la Paramount. Debutó con la película Sherlock Holmes (1922) de Albert Parker, film basado en el famoso personaje literario de Arthur Conan Doyle, que protagonizó John Barrymore. Especializado al principio en roles secundarios de villanos distinguidos y elegantes, entre sus principales films de la era silente figuran Bajo la púrpura cardenalicia (1923) de Alan Crosland, Romola (1924) de Henry King, Beau Geste (1926) de Herbert Brenon, Érase una vez un príncipe (1927) de Howard Hawks, Nevada (1927) de John Waters, Este hombre me gusta (1928) de Clarence Badger y, sobre todo, La última orden (1928) de Josef von Sternberg, obra maestra en la que interpretó a un ex revolucionario ruso convertido en realizador de Hollywood, con Emil Jannings como oponente. Asímismo apareció en Tómeme el pulso, doctor (1928) de Gregory La Cava, y La redada (1928) de Josef von Sternberg, drama criminal con George Bancroft y Evelyn Brent lamentablemente perdido. 
El cambio al cine sonoro no le supuso ningún trauma, más bien todo lo contrario. Su primera película hablada fue Intromisión (1929) de Lothar Mendes, drama con Evelyn Brent. A continuación triunfó principalmente con personajes de carácter detectivesco. El primero fue Philo Vance en películas como ¿Quién la mató? (1929) de Malcom St. Clair, con James Hall, Louise Brooks y Jean Arthur, La casa de los cuatro crímenes (1929) de Frank Tutle, con Florence Eldridge y Jean Arthur, El cuerpo del delito (1930) de Frank Tutle, con William Boyd, Eugene Pallette y Paul Lukas, o Matando en la sombra (1933) de Michael Curtiz, con Mary Astor y Eugene Pallette. También protagonizó Las cuatro plumas (1929), film de aventuras coloniales con Richard Arlen, Fay Wray, Clive Brook y Noah Beery, Tacones en punta (1929) de A. Edward Sutherland, musical con Fay Wray, o El acusador de sí mismo (1930) de John Cromwell, drama judicial con Kay Francis. En 1931 se casó con la actriz Carole Lombard, con quien coincidió en Un hombre de mundo (1931) de Richard Wallace, y El gigoló (1931) de Lothar Mendes, y de quien se divorciaría en 1933. Tras aparecer en películas como Viaje de ida (1932) de Tay Garnett, drama romántico con Kay Francis, Hombre de leyes (1932) de William Dieterle, drama con Joan Blondell, El altar de la moda (1934) de William Dieterle, comedia con Bette Davis, o El enemigo público número 1 (1934) de W.S. Van Dyke, drama criminal con Clark Gable y Myrna Loy, se confirmó con una de las grandes estrellas masculinas de su época con La cena de los acusados (1934) de W.S. Van Dyke, primero de los seis títulos en que encarnó al detective Nick Charles, formando en todos ellos pareja con Myrna Loy. En esas películas ambos encarnaban a un matrimonio de investigadores privados que junto a su perro, el fox-terrier Asta, lograron conectar con el gran público debido a su acertada mezcla entre comedia screwball e historias de intriga y misterio. Ese primer film, basado en la novela "El hombre delgado" de Dashiell Hammett, le supuso su primera candidatura al Oscar como mejor actor. Siguieron Estrella de medianoche (1935) de Stephen Roberts, comedia con Ginger Rogers, La indómita (1935) de Victor Fleming, comedia dramática con Jean Harlow (actriz con la que estuvo comprometido dos años) y Franchot Tone, Rendezvous (1935) de William K. Howard, comedia con Rosalind Russell y Binnie Barnes, El gran Ziegfeld (1936) de Robert Z. Leonard, musical biográfico sobre el famoso empresario teatral, con Myrna Loy y Luise Rainer, Mi ex-mujer y yo (1936) de Stephen Roberts, comedia con Jean Arthur, Al servicio de las damas (1936) de Gregory La Cava, brillantísima comedia coprotagonizada por su ex mujer Carole Lombard y probablemente su mejor película, que además le valió su segunda candidatura al Oscar, Una mujer difamada (1936) de Jack Conway, comedia romántica con Jean Harlow, Myrna Loy y Spencer Tracy, Ella, él y Asta (1936) de W.S. Van Dyke, primera secuela de La cena de los acusados, de éxito aún mayor que su precedente, Los candelabros del Zar (1937) de George Fitzmaurice, comedia dramática con Luise Rainer ambientada en la Rusia pre-revolucionaria, Doble boda (1937) de Richard Thorpe, comedia con Myrna Loy, y Otra reunión de acusados (1939) de W.S. Van Dyke, donde interpretó a Nick Charles por tercera vez.
En 1940 contrajo su tercer matrimonio, esta vez con la actriz Diana Lewis, que sería su viuda cuarenta y cuatro años después. Durante los años 40 William Powell intervino en menor número de películas, generalmente comedias, entre las que figuran Te quiero otra vez (1940) de W.S. Van Dyke y Mi marido está loco (1941) de Jack Conway, ambas con Myrna Loy, Encrucijada (1942) de Jack Conway, drama de intriga con Hedy Lamarr, Mundo celestial (1944) de Alexander Hall, comedia con Hedy Lamarr, Vivir con papá (1947) de Michael Curtiz, comedia de época con Irene Dunne y Elizabeth Taylor por la que fue nominado al Oscar por tercera vez, El senador fue indiscreto (1947) de George S. Kaufman, comedia política con Ella Raines, Domador de sirenas (1948) de Irving Pichel, comedia romántica con Ann Blyth, o Un paso en falso (1949) de Chester Erskine, thriller con Shelley Winters.
Sus últimas películas fueron La chica que lo tenía todo (1953) de Richard Thorpe, drama romántico con Elizabeth Taylor y Fernando Lamas, Cómo casarse con un millonario (1953) de Jean Negulesco, comedia con Marilyn Monroe, Betty Grable y Lauren Bacall, y Escala en Hawai (1955) de John Ford y  Mervyn LeRoy, comedia bélica con Henry Fonda, James Cagney y Jack Lemmon. A pesar de continuar recibiendo ofertas para volver a la pantalla, Powell disfrutó de su retiro de las cámaras hasta su fallecimiento a los 91 años debido a un fallo cardiaco.


Zorba the Greek dance by Anthony Quinn & Alan Bates

TRIBUTE TO MIKIS THEODORAKIS (Chios, Grecia, 29 de julio de 1925)

El músico griego Mikis Theodorakis nació tal día como hoy hace 90 años. Conocido por muchos por ser el compositor del célebre sirtaki de Zorba el griego, Theodorakis es uno de los músicos más importantes de nuestro tiempo. Un autor que, formado en la música clásica y enamorado de la música popular, ha sabido aunar ambas para componer un canto universal. Su música se ha asociado siempre a la lucha por la libertad. Adorado en su Grecia natal y reconocido en todo el mundo, Theodorakis ha sido uno de los hombres más influyentes en la cultura del siglo XX.
Su padre fue un destacado funcionario del Ministerio del Interior, por lo que su infancia fue un constante deambular por la geografía griega. La inclinación musical de Theodorakis comenzó muy temprano y ya desde muy joven colaboró en las celebraciones barrocas de la liturgia ortodoxa. Ingresó en el Conservatorio de Atenas a los trece años, donde estudió composición y dirección musical. Sin embargo, abandonó los estudios para pasarse a las fuerzas griegas de resistencia contra la ocupación de las tropas del Eje en 1943. Tuvo por ello que terminar luego sus estudios en París.
Como compositor, Mikis Theodorakis es autor de una música políticamente comprometida basada en las melodías populares griegas, aunque aprovechando las técnicas de la música culta contemporánea. En 1941 compuso su primera canción, El Capitán Zacarías, con motivo de la invasión nazi-fascista; ésta se convirtió más tarde en el himno de la resistencia helena. Theodorakis es también conocido a nivel internacional por sus composiciones musicales tanto para películas como para ballet y teatro. Entre sus partituras para el cine destacan las de Zorba, el griego (1964), Z (1969), Estado de sitio (1972) y Serpico (1973). Para el teatro compuso los fondos musicales de Electra, Ifigenia, Las Troyanas, Antígona y Edipo rey. Se le deben asimismo las composiciones musicales de los ballets Los amantes de Teruel, Antígona y Orpheo y Eurídice. Musicó poemas de poetas griegos como Yorgos Seferis y Odysseas Elytis y escribió además dos oratorios (es justamente famoso el Canto general, de 1973, inspirado en el poema épico-social de Pablo Neruda), diez piezas sinfónicas, varias sonatas y más de quinientas canciones. En 1991 estrenó Medea; dos años después fue nombrado director musical de la televisión griega y apareció uno de sus últimos trabajos discográficos, Mikis Theodorakis on the screen.
Durante la guerra civil griega estuvo encarcelado desde 1947 a 1953. A lo largo de toda su carrera Mikis Theodorakis desarrolló una intensa actividad política. Militante de la izquierda, llegó a ser diputado (1963,  1981-1986 y 1989-1993) y ministro sin cartera (1990). En la época de la dictadura militar estuvo detenido desde 1967 hasta 1970; posteriormente se exilió en París. Finalmente, volvió a Grecia en 1974. En los últimos años ha venido realizando campañas a favor de diversas causas humanitarias y por los derechos humanos, fundamentalmente a través de conciertos.



El sirtaki fue creado por Theodorakis para la película Zorba, el griego (1964)  de Michael Cacoyannis, protagonizada por Anthony Quinn y Alan Bates. También conocido como la danza de Zorba, desde entonces, se ha convertido en una de las señas de identidad de la cultura griega a escala internacional.

martes, 28 de julio de 2015

Niña de la Puebla - Los campanilleros

DOLORES JIMÉNEZ ALCÁNTARA "NIÑA DE LA PUEBLA" (La Puebla de Cazalla, Sevilla, España, 28-7-1908 / Málaga, España, 14-6-1999): IN MEMORIAM

Dolores Jiménez Alcántara, conocida como La Niña de la Puebla, fue una de las más grandes cantaoras de flamenco y de copla andaluza. Hija de un barbero aficionado al cante, quedó ciega al poco de nacer a consecuencia de una infección ocular mal tratada. A los ocho años dio comienzó su educación especial y musical y, a los veinte, acompañada de su guitarra, actuó en un festival en Morón de la Frontera (Sevilla). Su carrera sólo sería ascendente. Descubierta por Pepe Marchena, debutó en Sevilla, en 1931. Al año siguiente lo hizo en Madrid. El éxito le llegó pronto, con una versión de Los Campanilleros más ligera y popular que la del jerezano Manuel Torre, el primer cantaor en adaptarla a su repertorio flamenco. La Niña de la Puebla destacó en diversos palos del flamenco, especialmente fandangos y malagueñas. Terminada la guerra civil, y hasta bien entrados los años 70, su vida fue una gira constante. Casada con otro grande del flamenco, Luquitas de Marchena, del matrimonio nacieron otros dos artistas del folclore andaluz: Adelfa y Pepe Soto. Murió a los 90 años a consecuencia de una hemorragia cerebral en plena actuación, unos días antes de poder recibir, como estaba previsto, la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes de manos del Rey Juan Carlos I. La Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía declaró su voz "Bien de Interés Cultural".



domingo, 26 de julio de 2015

Blake Edwards (Tulsa, Oklahoma, 26-7-1922 / Brentwood, California, 15-12-2010): In memoriam

LA COMEDIA DE AUTOR

Hoy es aniversario natal del director, guionista y productor estadounidense Blake Edwards. Brillante autor de títulos clásicos en los años 60, no logró mantener la misma calidad en su films de las décadas siguientes, casi siempre comedias, alternando éxitos y fracasos comerciales. En 2004 recibió un Oscar honorífico por el conjunto de su carrera.
William Blake Crump adoptó el apellido de su padrastro y comenzó su carrera trabajando como actor a comienzos de los años 40, si bien pronto pasó a ser guionista en la radio y luego en la televisión y el cine. Su primera película como director fue la comedia musical Venga tu sonrisa (1955), cuyo guión escribió junto a Richard Quine, entonces también guionista y director principiante, para quien asímismo escribió varios guiones. Entre las primeras películas que dirigió Edwards figuran las comedias El temible Mr. Cory (1957), con Tony Curtis y Martha Hyer, La pícara edad (1958), con Debbie Reynolds, Curt Jurgens y John Saxon, y Vacaciones sin novia (1958), con Tony Curtis y Janet Leigh.
La comedia bélica Operación Pacífico (1959), con Cary Grant y Tony Curtis, supuso su primer éxito importante. Luego de dirigir a Bing Crosby, Fabian y Tuesday Weld en Buenos tiempos (1960), rodó su obra maestra, Desayuno con diamantes (1961), sofisticada comedia romántica que adaptaba una novela corta de Truman Capote, con Audrey Hepburn y George Peppard como inolvidable pareja protagonista. Sus dos siguientes películas también alcanzaron un altísimo nivel: Chantaje contra una mujer (1962), thriller de suspense con Glenn Ford y Lee Remick, y Días de vino y rosas (1962), sórdido e intenso drama sobre una pareja de alcohólicos interpretados por Jack Lemmon y Lee Remick. Con La pantera Rosa (1963) inauguró una franquicia de comedias paródicas, las seis primeras protagonizadas por Peter Sellers, de las cuales El nuevo caso del inspector Clouseau (1964) fue la segunda. Otros comedias de los años 60 fueron La carrera del siglo (1965), con Jack Lemmon, Tony Curtis y Natalie Wood, ¿Qué hiciste en la guerra, papi? (1966), con James Coburn, Dick Shawn, Sergio Fantoni, Giovanna Ralli y Aldo Ray, y El guateque (1968), gran comedia de gags continuos inspirada en el cine silente, con protagonismo de Peter Sellers, y otro de sus trabajos más personales.
A partir de la siguiente década sólo en raras ocasiones Edwards alcanzó el nivel de sus films precedentes, siendo los más destacables entre los que siguieron Darling Lili (1970), musical con Julie Andrews y Rock Hudson que supuso un rotundo fracaso de taquilla, Dos hombres contra el Oeste (1971), apreciable western itinerante con William Holden, Ryan O'Neal y Karl Malden, Diagnóstico: asesinato (1972), thriller de intriga con James Coburn y Jennifer O'Neill, La semilla del tamarindo (1974), drama romántico con Julie Andrews y Omar Sharif, y 10, la mujer perfecta (1979), comedia de enorme éxito con Dudley Moore, Julie Andrews y Bo Derek, y S.O.B. (1981), sátira sobre el mundo del cine, con Julie Andrews y William Holden. El musical ¿Víctor o Victoria? (1982), con Julie Andrews, James Garner y Robert Preston fue otra de sus obras más apreciadas y la mejor valorada del resto de su carrera (por su guión obtuvo su única nominación al Oscar), continuada con títulos como Mis problemas con las mujeres (1983), remake de un film de Truffaut de 1977, con Burt Reynolds, Julie Andrews y Kim Basinger, Micki y Maude (1984), comedia con Dudley Moore, Amy Irving y Ann Reinking, El gran enredo (1986), comedia con reparto encabezado por Ted Danson, ¡Así es la vida! (1986), comedia dramática con Jack Lemmon y Julie Andrews, Cita a ciegas (1987), comedia con Kim Basinger, Bruce Willis, Asesinato en Beverly Hills (1988), comedia de acción con Bruce Willis y James Garner, Una cana al aire (1989), comedia protagonizada por John Ritter, o Una rubia muy dudosa (1991), comedia con Ellen Barkin y Jimmy Smits. Tras dirigir a Roberto Benigni en El hijo de la pantera rosa (1993), octavo título de la serie, se retiró del cine.
Blake Edwards estuvo casado con la actriz Patricia Walker entre 1953 y 1967. Tuvieron dos hijos. Tras el divorcio se casó en 1969 con Julie Andrews, quien trabajaría en siete de sus películas, con la que adoptaría dos huérfanas vietnamitas, de la que adoptaría también a una hija del anterior matrimonio de ella, y que sería su viuda. El cineasta falleció a los 88 años a consecuencia de una neumonía.

Tribute to Helen Mirren (Londres, Reino Unido, 26-7-1945)

REINA DE LA ESCENA Y LA PANTALLA

La actriz británica Helen Mirren ha cumplido hoy 70 años. Aunque consiguió el estrellato cinematográfico ya en edad madura, tiene a sus espaldas cincuenta años de extensa carrera en teatro, cine y televisión, lo que le ha dado prestigio y numerosos premios y reconocimientos, entre los que se encuentran un Oscar (de entre cuatro candidaturas), un Globo de Oro, un BAFTA, dos premios en Cannes, uno en Venecia, cuatro Emmy y un Tony, además de el título de Dama del Imperio Británico.
Segunda de los tres hijos de un ruso emigrado a Gran Bretaña y de una inglesa, fue bautizada como Helen Lydia Mironoff. En los años 50 la familia cambió su nombre a Mirren. De adolescente Helen actuó en funciones escolares y después estudió arte dramático. A los 20 años debutó con el National Youth Theatre en el Old Vic protagonizando "Antonio y Cleopatra" de Shakespeare, a la que siguieron otras representaciones con la Royal Shakespeare Company de obras como "Bien está lo que bien acaba", "Troilo y Crésida" o "Como gustéis" y, ya en la década siguiente, "Macbeth", con la compañía de Peter Brook, entre otros trabajos. En la primera etapa de su carrera cinematográfica desempeñó papeles en Herostratus (1967) de Don Levy, El sueño de una noche de verano (1968) de Peter Hall, Corazones en fuga (1969) de Michael Powel, El Mesías salvaje (1972) de Ken Russell, Un hombre de suerte (1973) de Lindsay Anderson, Hamlet (1976) de Celestino Coronado, o Calígula (1979) de Tinto Brass.
En las décadas de los 80 y 90 asentó su posición con películas como Excalibur (1981) de John Boorman, fantasía medieval artúrica con Nigel Terry, Nicholas Clay y Nicol Williamson, donde interpretó a Morgana, Cal (1984) de Pat O'Connor, drama romántico con John Lynch por el que Mirren ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes, 2010: Odisea Dos (1984) de Peter Hyams, aventura espacial de ciencia-ficción, con Roy Scheider, Noches de sol (1985) de Taylor Hackford, drama ambientado en la Guerra Fría, con Mikhail Baryshnikov, Gregory Hines, Geraldine Page e Isabella Rossellini, La costa de los mosquitos (1986) de Peter Weir, drama de aventuras con Harrison Ford y River Phoenix, La isla de Pascali (1988) de James Dearden, drama de intriga con Ben Kingsley y Charles Dance, El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) de Peter Greenaway, comedia negra con Richard Bohringer y Michael Gambon, El placer de los extraños (1990) de Paul Schrader, drama que adaptaba una novela corta de Ian McEwan, con Christopher Walken, Natasha Richardson y Rupert Everett, Donde los ángeles no se aventuran (1991) de Charles Sturridge, adaptación de una novela de Edward Morgan Forster, con Helena Bonham Carter, Judy Davis y Rupert Graves, o La verdadera historia de Hamlet, Príncipe de Dinamarca (1994) de Gabriel Axel, drama histórico con Christian Bale, Kate Beckinsale y Gabriel Byrne. Su interpretación de la Reina Carlota de Inglaterra en el drama histórico La locura del rey Jorge (1994) de Nicholas Hytner, con Nigel Hawthorne Ian Holm, Rupert Graves y Rupert Everett, le valió su segundo premio a la mejor actriz en Cannes y su primera nominación al Oscar como secundaria. Luego apreció en títulos como En el nombre del hijo (1996) de Terry George, drama carcelario basado en hechos reales, con Fionnula Flanagan y Aidan Gillen, En estado crítico (1997) de Sidney Lumet, comedia negra con James Spader, Kyra Sedgwick, Anne Bancroft y Albert Brooks, Secuestrando a la Srta. Tingle (1999) de Kevin Williamson, comedia negra con Katie Holmes y Jeffrey Tambor, Flower Power (como una regadera) (2000) de Joel Hershman, comedia con Clive Owen y David Kelly, El juramento (2001) de Sean Penn, drama de intriga con Jack Nicholson, Aaron Eckhart, Robin Wright Penn, Vanessa Redgrave y Sam Shepard, Last orders (2001) de Fred Schepisi, comedia dramática con Michael Caine, Tom Courtenay, David Hemmings, Bob Hoskins y Ray Winstone, Gosford Park (2001) de Robert Altman, drama coral ambientado en una mansión inglesa en los años 30 con reparto multiestelar por el que Mirren obtuvo su segunda candidatura al Oscar como secundaria, Las chicas del calendario (2003) de Nigel Cole, comedia basada en hechos reales, con Julie Walters, La sombra de un secuestro (2004) de Pieter Jan Brugge, drama con Robert Redford y Willem Dafoe.
Finalmente logró el Oscar a la mejor actriz principal, además de un Globo de Oro, un BAFTA y la Copa Volpi en Venecia, encarnando a la reina Isabel II de Inglaterra en el drama basado en hechos reales The Queen (2006) de Stephen Frears, con Michael Sheen y James Cromwell. Del resto de su filmografía destacan La búsqueda 2: El diario secreto (2007) de Jon Turteltaub, film de aventuras protagonizado por Nicolas Cage, Corazón de tinta (2008) de Iain Softley, fantasia familiar de aventuras con Brendan Fraser, La sombra del poder (2009) de Kevin Macdonald, thriller político con Russell Crowe, Ben Affleck y Rachel McAdams, La última estación (2009) de Michael Hoffman, drama biográfico sobre los últimos meses de vida del escritor ruso Leon Tolstoi, con Christopher Plummer, Paul Giamatti y James McAvoy, por el que Mirren obtuvo su cuarta candidatura al Oscar (segunda como actriz principal), La tempestad (2010) de Julie Taymor, fracasada adaptación del drama de Shakespeare, Red (2010) de Robert Schwentke, comedia de acción con Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman, y Mary-Louise Parker, La deuda (2011) de John Madden, con Sam Worthington, Jessica Chastain y Tom Wilkinson, Hitchcock (2012) de Sacha Gervasi, drama biográfico sobre el rodaje de "Psicosis", con Anthony Hopkins y Scarlett Johansson, donde interpretó a Alma Reville, la esposa del famoso director, Red 2 (2013) de Dean Parisot, secuela del film tres años anterior, Un viaje de diez metros (2014) de Lasse Hallström, comedia dramática sobre cocina e innmigración, o La dama de oro (2015) de Simon Curtis, drama basado en hechos reales con Ryan Reynolds y Daniel Brühl.
En televisión ha destacado por sus trabajos premiados con cuatro Emmy en las series "Principal sospechoso" (siete temporadas entre 1991 y 2006) y "Elizabeth I" (2006) y el telefilm "La pasión de Ayn Rand" (1999). También ha proseguido su carrera teatral hasta ganar un Tony por "La audiencia" (2015) de Peter Morgan, donde volvió a interpretar a la Reina Isabel II.
En 1997 Helen se casó con el director y productor Taylor Hackford. Previamente había mantenido una relación con el actor Liam Neeson. En el año 2003 fue nombrada Dama Del Imperio Británico.


George Bernard Shaw (Dublín, Irlanda, 26-7-1856 / Ayot Saint Lawrence, Reino Unido, 2-11-1950): In memoriam

MAESTRO DEL TEATRO UNIVERSAL

Hoy es aniversario natal de George Bernard Shaw, escritor de origen irlandés ganador del Premio Nobel y considerado el autor teatral más significativo de la literatura británica posterior a Shakespeare. Además de ser un prolífico dramarurgo -escribió más de 50 obras- fue el más incisivo crítico social desde los tiempos del también irlandés Johnathan Swift, y el mejor crítico teatral y musical de su generación. Fue asimismo uno de los más destacados autores de cartas de la literatura universal. Místico y visionario, hombre tímido, introspectivo y discretamente generoso, Shaw era, al mismo tiempo, la antítesis del romántico, en su papel de despiadado crítico irreverente con las instituciones. Aderezando hasta sus trabajos más serios con un sutil sentido del humor, consiguió convertir en interesantes obras teatrales, animadas por epigramas y diálogos vivaces, lo que en manos de otros autores hubieran sido estudios sobre los más distintos temas sociales.
Nació el 26 de julio de 1856 en Dublín. Su poco pragmático padre, un comerciante con escaso éxito económico, pertenecía a la burguesía protestante de Irlanda. El joven asistió a escuelas tanto católicas como protestantes y, comenzó a trabajar a los 16 años, por lo que hubo de completar su educación de un modo autodidacta. Cuando el matrimonio de sus padres se disolvió, su madre y sus hermanas se marcharon a vivir a Londres, donde él se les unió en 1876. 
La siguiente década de su vida estuvo marcada por una pobreza rayana en la miseria. Ni las críticas de música (en las que utilizaba como seudónimo el apellido de un amigo suyo) ni el trabajo que consiguió en una compañía telefónica, le duraron mucho, y sólo pudo publicar dos de las cinco novelas que había escrito entre 1879 y 1883. Una de ellas, La profesión de Cashel Byron (1882), anticipa la temática de la prostitución como profesión antisocial, que constituirá el argumento central de su obra teatral Trata de blancas (1893). La otra, Un socialista asocial (1883), se anticipa al interés del autor por los escritos de Karl Marx, que descubriría hacia la mitad de la década de 1880, y a raíz de los cuales comenzaría, como periodista crítico, a participar en las polémicas de su tiempo sobre el socialismo. Se convirtió asimismo en un firme defensor y militante convencido del vegetarianismo, en un destacado orador y, como experimento, en autor teatral. Su papel fue determinante en la fundación y el sostenimiento de la Sociedad fabiana, grupo de socialistas de clase media que defendía la transformación de la sociedad y el gobierno ingleses mediante la "impregnación", en lugar de la revolución. A través de los fundadores de la Sociedad fabiana, Sidney y Beatrice Webb, Shaw conoció a la rica irlandesa Charlotte Payne-Townshend, con la que en 1898 se casó. El trabajo periodístico que llevó a cabo durante sus primeros años comprendía desde la crítica literaria y artística hasta brillantes colaboraciones sobre temas musicales (en las cuales defendía con pasión las obras del compositor alemán Richard Wagner), que firmó, entre 1888 y 1890, con el seudónimo de Corno di Bassetto y, más adelante, con sus propias iniciales. Más tarde, en 1895, comenzó a trabajar para la Saturday Review como crítico teatral, ocupación que mantuvo hasta 1898, y desde la cual defendió la obra del autor teatral noruego Henrik Ibsen, sobre el que ya había escrito un libro, Las quintaesencias (1891). 
La primera obra teatral de Shaw, Casa de viudas (1892), combinaba las influencias de Ibsen con una ácida burla de las convenciones del romanticismo, que aún estaban siendo explotadas en el teatro inglés. Esta obra se publicó en el volumen Teatro agradable y desagradable (1898), que reúne sus siete primeras obras para la escena, las otras eran Cándida, Fascinación, El hombre del destino, Trata de blancas y Lucha de sexos, que, o no fueron representadas en su momento, o duraron muy poco en cartel, y una de ellas, Trata de blancas fue censurada por su supuesta obscenidad.
Un poco mejor fue la andadura de una de sus Tres obras para puritanos (compuesta por El discípulo del diablo, César y Cleopatra y La conversión del capitán Brassbound), publicadas en 1901. En su siguiente obra, Hombre y superhombre (1903), transformó la leyenda de Don Juan en obra de teatro, y en una representación-dentro-de-otra. Esta era, precisamente, la base del tercer acto, titulado Don Juan en los infiernos, que, desde entonces, se ha venido representando de modo independiente del resto de la obra. Hombre y superhombre entró muy pronto a formar parte del repertorio de distintas compañías teatrales, junto con La otra isla de John Bull (1904), escrita originalmente para el Abbey Theatre de Dublín, pero rechazada por éste por su ácida sátira del carácter irlandés. Estas dos obras, frecuentemente representadas, extendieron la fama de Shaw como erudito y autor teatral. 
En Comandante Bárbara (1905, llevada al cine posteriormente) y El dilema del doctor (1906), el autor irlandés continuó mostrando, a través de la comedia, la complicidad de la sociedad con sus propios males y defectos. Con las obras que siguieron a estas, Llegando a casarse (1908), Matrimonio desigual (1910) y La primera obra de Fanny (1911), Shaw comenzó a acercarse a lo que podría llamarse la farsa seria, una comedia intelectual con su habitual torrente de diálogos, pero en la que introdujo elementos no realísticos, que explotaría por completo más adelante. El autor dejó entrever su lado más místico en El compromiso de Blanco Posnet (1909), que trata de la súbita conversión de un ladrón de caballos, y en Androcles y el león (1913), en la que discutió sobre la verdadera y la falsa exaltación religiosa, y utilizó elementos provenientes de los autos medievales y del mimo navideño victoriano. Su pieza cómica Pigmalión (1913), que se presenta como una "alta comedia" divertida e ingeniosa, fue escrita como introducción didáctica a la fonética, pero en realidad trata del amor y contiene numerosos elementos de crítica social, como la explotación de un ser humano por parte de otro. La obra obtuvo un éxito inmediato y fue la base para una película y un musical que con el nombre de My fair Lady se estrenó en 1955 y llevado de nuevo al cine en 1964 por George Cukor. Intentando escapar del pesimismo de la postguerra, Shaw escribió cinco piezas teatrales cortas en forma de parábola, muy relacionadas entre sí, y que fueron reunidas bajo el título general de Volviendo a Matusalén (1921). Tras su obra Santa Juana (1923), en la que convirtió a Juana de Arco en una mezcla de mística pragmática y santa hereje, el autor irlandés recibió en 1925 el Premio Nobel de Literatura. Shaw murió el 2 de noviembre de 1950 en su casa de campo de Ayot St. Lawrence. Hasta sus últimos días, continuó escribiendo brillantes prefacios a sus propias obras teatrales e inundando a sus editores con libros, artículos y cartas malhumoradas.

(Texto procedente de la página El poder de la palabra)

 

Aldous Huxley (Godalming, Surrey, UK, 26-7-1894 / Los Angeles, California, 22-11-1963): In memoriam

PENSADOR DE LA MODERNIDAD

Hoy es aniversario natal del escritor británico Aldous Huxley, novelista y ensayista inglés de prosa enciclopédica y a la vez visionaria. Hombre de gran agudeza, curiosidad intelectual y apertura mental, se interesó vivamente por la sociedad y el mundo de su tiempo. Preocupado siempre por el futuro de la Humanidad, no dudó en vivir profundas experiencias místicas y espirituales a fin de ampliar la conciencia de sus percepciones.
Aldous Leonard Huxley, perteneciente a una familia de sólida tradición intelectual, se educó en el Eton College. A los 14 años perdió a su madre y a los 16 sufrió una grave enfermedad ocular que lo mantuvo prácticamente ciego durante durante dos o tres años, recuperando la vista sólo parcialmente (En 1942 publicaría El arte de ver, libro acerca de sus esfuerzos para recuperar la visión) y a los 20 también perdió a su hermano Noel Trevelyan que se suicidó a los 23. Tras abandona la idea de estudiar medicina se graduó en literatura inglesa en el Balliol College de Oxford en 1916. En 1919 se casó con Marie Nys, una mujer belga refugiada en Inglaterra durante la Primera Guerra Mundial. Tras la boda, el matrimonio se estableció en el barrio de Hampstead, en Londres. Un año más tarde nacería su único hijo, Matthew. En esa época se hizo amigo de D. H. Lawrence y trabajó para la  revista Athenaeum y como crítico de teatro en la Westminster Gazzette.
Sus primeras publicaciones fueron colecciones de versos, entre ellos La rueda ardiente (1916), Jonás (1917), La derrota de la juventud y otros poemas (1918) y Leda (1920). De su prosa, la primera entrega fue Limbo (1920) y prosiguió con relatos como los de La envoltura humana (1922). Su primera novela fue Los escándalos de Crome (1921), crítica mordaz de los ambientes intelectuales a la que siguieron Danza de sátiros (1923) y Arte, amor y todo lo demás (1925), asímismo sátiras de las élites culturales. Viajó constantemente con su esposa, tanto por Europa como por Estados Unidos, América y la India. Residió en Italia, donde escribió una de sus obras más notables, Contrapunto (1928), en la cual despliega su solidez intelectual y las técnicas novedosas del arte de la novela. Un mundo feliz (1932) es posiblemente su libro más importante y uno de los que lo hizo más conocido: una ficción futurista de carácter visionario y pesimista de una sociedad regida por un sistema de castas, y donde imagina una sustancia o droga llamada soma, utilizada con fines totalitarios. Fue la primera novela en describir una distopía y su repercusión e influencia se mantienen vigentes. Cuatro años después publicó Ciego en Gaza (1936), novela de carácter autobiográfico, en la que desarrolló la contraposición entre intelecto y sexo. Con ella había comenzado su época mística.
En 1937 se trasladó a Hollywood con su familia, donde escribió el ensayo de filosofía pacifista El fin y los medios (1937) y la novela Viejo muere el cisne (1939), sátira sobre el narcisismo y superficialidad de la vida americana. Su amigo Gerald Heard le inició en la filosofía Vedanta, la meditación y el vegetarianismo. También recibió las enseñanzas de Jiddu Krishnamurti y Swami Prabhavananda e introdujo a su paisano el escritor Christopher Isherwood en su círculo. Asímismo colaboró en la revista Vedanta and the West hasta 1960 y trabajó como guionista para Hollywood. Su novela El tiempo debe detenerse (1944) fue inspirada por "El Libro Tibetano de los muertos", una de sus lecturas preferidas, y formuló sus experiencias místicas en el ensayo La filosofía perenne (1945), libro que ha ejercido notable influencia por el punto de vista tan abierto adoptado para sustentar la idea de lo sagrado; en él contrapuso la espiritualidad mística a la técnica y pragmatismo modernos. Le siguió Ciencia, libertad y paz (1946), pequeño volumen de ensayos sobre la sociedad de su tiempo en el que predijo hechos que se cumplieron décadas más tarde. Después publicó Mono y esencia (1948), novela también distópica que influyó en varios escritores, entre ellos el cubano José Lezama Lima, que recomendaba su lectura en su 'curso délfico'.
A partir de la década de 1950, llevado por un interés intelectual, inició una nueva etapa de su vida relacionada con las experiencias con drogas psicodélicas (una docena entre 1953 y 1963), de las que resultó su popular libro Las puertas de la percepción (1954), que ejerció también gran influencia en la sociedad norteamericana. En 1954 realizó un último largo viaje con su esposa por Europa, Asia Menor y norte de Africa y de vuelta en California, Huxley publica una nueva novela, El genio y la diosa (1955), en la que refleja diversos aspectos de su ideología, y Cielo e infierno (1956), ensayo en el que abunda sobre sus experiencias con drogas alucinógenas.
Tras 35 años de matrimonio, a comienzos de 1956, muere su esposa Marie a consecuencia de un cáncer de hígado. Tres meses después contrae matrimonio con la violinista y psicoterapeuta italiana Laura Archera, quien vuelve a estimular sus actividades. Huxley publica dos nuevas colecciones de ensayos, Adonis y el alfabeto (1956) y Nueva visita a un mundo feliz (1958) y vuelve a emprender otro largo viaje por Sudamérica, Europa y la India. En sus últimos años imparte cursos y conferencias en diversas universidades norteamericanas. En 1961 un incendio destruye completamente su casa en Hollywood, y pierde todas sus pertenencias y recuerdos. Al menos consigue salvar de la quema el manuscrito de su última novela, La isla (1962), en la que llevaba trabajando cinco años. Esta narración, contrapunto de Un mundo feliz, se considera un manifiesto del movimiento New Age. Su última obra publicada en vida, Literatura y ciencia (1963), como el título indica, es una aproximación entre ambos mundos. 
Pocos meses antes de morir -en 1960 le habían diagnosticado un tumor en la lengua, que le fue tratado con radioterapia- Huxley realizó un último viaje a Europa y, a su regreso, el 22 de noviembre de 1963, mismo día del asesinato del presidente John F. Kennedy, falleció a los 69 años.
Además de ser considerado uno de los iniciadores de la psicodelia, por sus meditaciones en torno a las experiencias con mezcalina y LSD, Huxley fue portavoz de la clase intelectual de la primera mitad del siglo XX; siguió paso a paso a sus contemporáneos desde el escepticismo superficial de posguerra, hasta la angustia trágica de un mundo vuelto impersonal por las nuevas y monstruosas técnicas de las guerras sucesivas. Sus libros quedarán, no sólo por su valor documental, sino también por la fresca lozanía de su prosa y por un cierto sabor original hecho de erudición, de ironía y de seriedad. 


Antonio Machado (Sevilla, España, 26-7-1875 / Colliure, Francia, 22-2-1939): In memoriam

EN EL BUEN SENTIDO DE LA PALABRA, BUENO

Hoy se cumplen 140 años del nacimiento del gran poeta español Antonio Machado, una de las figuras más emblemáticas de la llamada Generación del 98, de cuyo ideario su obra es expresión lírica y él el miembro más joven. Hombre de gran integridad moral, probablemente el poeta de su época más leído todavía, sus libros de poemas destacan por su emoción, hondura y tono filosófico. Fallecido un mes después de su penoso exilio poco antes de concluir la Guerra Civil española, si García Lorca es el símbolo de la represión militar franquista, Machado lo es de la diáspora subsiguiente.
Antonio Machado Ruiz era el segundo de cinco hijos del folclorista Antonio Machado Álvarez, quien trabajaba como administrador de la casa de Alba, y hermano menor del también poeta Manuel Machado. Pasó su infancia en Sevilla y en 1883 se instaló con su familia en Madrid tras ser nombrado su abuelo paterno profesor de la Universidad Central. En la capital española completará su formación intelectual, liberal y progresista, al entrar como alumno en la Institución Libre de Enseñanza. Estos estudios tuvieron que ser interrumpidos en varias ocasiones debido al fallecimiento de su padre en 1893 y a diversos problemas económicos que sufrió su familia. En 1893 aparecen sus primeros trabajos en prosa en La Caricatura, revista que se publicó en Madrid en los años 1892 y 1893. Sus primeros poemas serían publicados en Electra, Helios y otras revistas modernistas, movimiento con el que Machado se sentía identificado cuando comenzó su labor literaria. En 1899 viaja a Francia por primera vez con su hermano Manuel, trabajando como traductor de español para la Casa Garnier. Su estancia en París le pone en contacto con los poetas simbolistas franceses, principalmente con Paul Verlaine y con el poeta nicaragüense Rubén Darío. De vuelta a España frecuentó los ambientes literarios, donde conoció a Juan Ramón Jiménez, Ramón del Valle-Inclán y Miguel de Unamuno. Fruto de todo ello es la publicación de su primer poemario Soledades (1903), que le da a conocer en el panorama literario, y donde hace alarde de la estética modernista. No obstante, el autor se distanció de la imaginería decorativa de la escuela rubeniana para profundizar en la expresión de emociones auténticas, a menudo plasmadas a través de un sobrio simbolismo. En su siguiente libro, Soledades, galerías y otros poemas (1907), reedición y ampliación del anterior, se hizo más evidente el tono melancólico e intimista, el uso del humor como elemento distanciador y, sobre todo, la intención de captar la fluidez del tiempo. Al igual que Unamuno, Machado consideró que su misión era "eternizar lo momentáneo", capturar la "onda fugitiva" y transformar el poema en "palabra en el tiempo".
En 1907 obtuvo la cátedra de Lengua Francesa en un instituto de Soria, ciudad que marcará su vida y su obra. En la pensión donde vive conoce a Leonor Izquierdo Cuevas, hija de los dueños. Se casan en 1909 (ella tenía 15 años y él 34) y al año siguiente viajan a París con una beca concedida al poeta para perfeccionar sus conocimientos de francés durante un año. Machado aprovechó para asistir al curso que Henri Bergson impartía en el Colegio de Francia. En 1912 Leonor, el gran amor de su vida, enferma de tuberculosis y muere a los tres años de su boda, desdicha que afectó muy profundamente al poeta, pues su matrimonio había sido muy feliz. Poco antes había aparecido la primera edición de Campos de Castilla (1912), que incluía "La tierra de Alvargonzález", el más largo poema de Machado. En este libro se acentúa su meditación sobre lo pasajero y lo eterno, pero no por medio de la autocontemplación, sino dirigiendo la mirada hacia el exterior, y observando con ojos despiertos el paisaje castellano y los hombres que lo habitaban (la España que bosteza). Una emoción austera y grave recorre los poemas de este libro fundamental, que evoca la trágica España negra tan criticada por la Generación del 98 desde una perspectiva regeneracionista, al tiempo que describe con hondo patriotismo la decadencia y ruina de las viejas ciudades castellanas.
Abatido por su reciente viudedad, Machado solicitó su traslado a Madrid, pero el único destino vacante era Baeza (Jaén), donde vivió apesadumbrado los siguientes siete años dedicado a la enseñanza como profesor de Gramática Francesa. Para conseguir escapar de esa población que tanto le disgustaba, Machado se vio obligado a estudiar por libre, entre 1915 y 1918, la carrera de Filosofía y Letras. Con su nuevo título solicitó el traslado al Instituto de Segovia, que en esta ocasión sí se le concedió. En esta ciudad residiría entre 1919 y 1931. Meses después de la proclamación de la Segunda República Española, se adjudicó a Machado, por fin, una cátedra de francés en Madrid, donde a partir de 1932 pudo vivir de nuevo en compañía de su familia (su madre, su hermano José, mujer e hijas).
Durante su estancia en Segovia se publicó su siguiente volumen de poemas, Nuevas canciones (1924), intensificando tanto su enfoque reflexivo como la línea sentenciosa de los "Proverbios y cantares" incluidos en el libro anterior. En dicha ciudad alternó la docencia con los encuentros familiares y literarios en Madrid, siendo nombrado miembro de la Real Academia de la Lengua en 1927, aunque nunca llegó a tomar posesión de su sillón. En 1928 comenzó una relación amorosa con una escritora, una dama de la alta burguesía madrileña casada y con tres hijos, llamada Pilar Valderrama, a la que el poeta llama en sus versos "Guiomar" (y con la que mantendría encuentros secretos hasta poco antes del llamado Alzamiento Nacional). Ese mismo año se publican sus Poesías completas (1899-1925) y en 1933 Poesías completas (1899-1930), en las que se decanta por una lírica de tema amoroso y erótico inspirada en su pasión por Pilar. Durante esa época asímismo colaboró con su hermano Manuel en varias obras teatrales en verso como La Lola se va a los puertos (1930) o La duquesa de Benamejí (1932). 
Entre 1912 y 1926 Machado redactó una serie de apuntes que verían la luz póstumamente con el título de Los complementarios (1957). En este cuaderno, miscelánea de lecturas, esbozos y reflexiones cotidianas, aparecieron por primera vez sus heterónimos, el filósofo y poeta Abel Martín y su discípulo, el pensador escéptico Juan de Mairena. Ambos son personajes imaginarios que permitieron expresar al creador sus ideas sobre cultura, arte, sociedad, política, literatura y filosofía, especialmente en el libro Juan de Mairena. Sentencias, donaires, apuntes y recuerdos de un profesor apócrifo (1936).
Cuando estalló la Guerra Civil española, Antonio Machado se encontraba en Madrid. A diferencia de su hermano Manuel, apoyó con firmeza al bando republicano. Para entonces su salud se hallaba muy deteriorada: padecía pérdida parcial de la visión, úlcera, arterioesclerosis y un enfermedad obstructiva pulmonar crónica. Durante la contienda escribió algunos poemas y varios textos en prosa, parte de los cuales fueron recogidos en La guerra (1937). Se trata de escritos testimoniales enclavados en las circunstancias históricas del momento, entre los que destaca la elegía dedicada a Federico García Lorca: "El crimen fue en Granada". Los avances del ejército franquista le habían obligado a trasladarse junto a su madre, dos hermanos y las familias de éstos, primero a Valencia (desde noviembre de 1936 hasta abril de 1938) y después lo harían a Barcelona. Allí permanecieron desde finales de mayo de 1938 hasta su salida el 22 de enero del siguiente año, ante la inminente derrota final republicana. Trasladado con muchas penalidades y muy enfermo a la población de Colliure, al sur de Francia, Antonio Machado, un hombre culto, humilde y solitario, falleció en esa localidad a los 63 años de neumonía complicada con una gastroenteritis. Aunque durante la huída había desaparecido la maleta que guardaba sus pocas pertenencias, conservó una pequeña caja de madera con un poco de tierra de España para ser enterrado con ella. En un bolsillo de su viejo gabán fue encontrado su último verso: "Estos días azules y este sol de la infancia". Su apenada madre, de 85 años, murió tres días después y fue enterrada junto a él. La tumba que alberga los restos aún es centro de peregrinación para los admiradores del poeta.
Con fecha de 5 de mayo de 1941, Antonio Machado fue expulsado post-mortem del cuerpo de catedráticos de Instituto. Hubo que esperar hasta 1981 para que fuera rehabilitado (con la misma fórmula) como profesor del instituto Cervantes de Madrid, por orden ministerial de un gobierno democrático.



Retrato

Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla,
y un huerto claro donde madura el limonero;
mi juventud, veinte años en tierras de Castilla;
mi historia, algunos casos que recordar no quiero.

Ni un seductor Mañara, ni un Bradomín he sido
ya conocéis mi torpe aliño indumentario,
más recibí la flecha que me asignó Cupido,
y amé cuanto ellas puedan tener de hospitalario.

Hay en mis venas gotas de sangre jacobina,
pero mi verso brota de manantial sereno;
y, más que un hombre al uso que sabe su doctrina,
soy, en el buen sentido de la palabra, bueno.

Adoro la hermosura, y en la moderna estética
corté las viejas rosas del huerto de Ronsard;
mas no amo los afeites de la actual cosmética,
ni soy un ave de esas del nuevo gay-trinar.

Desdeño las romanzas de los tenores huecos
y el coro de los grillos que cantan a la luna.
A distinguir me paro las voces de los ecos,
y escucho solamente, entre las voces, una.

¿Soy clásico o romántico? No sé. Dejar quisiera
mi verso, como deja el capitán su espada:
famosa por la mano viril que la blandiera,
no por el docto oficio del forjador preciada.

Converso con el hombre que siempre va conmigo
quien habla solo espera hablar a Dios un día;
mi soliloquio es plática con ese buen amigo
que me enseñó el secreto de la filantropía.

Y al cabo, nada os debo; debéisme cuanto he escrito.
A mi trabajo acudo, con mi dinero pago
el traje que me cubre y la mansión que habito,
el pan que me alimenta y el lecho en donde yago.

Y cuando llegue el día del último vïaje,
y esté al partir la nave que nunca ha de tornar,
me encontraréis a bordo ligero de equipaje,
casi desnudo, como los hijos de la mar.

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Españolito que vienes al mundo

Ya hay un español que quiere
vivir y a vivir empieza,
entre una España que muere
y otra España que bosteza.

Españolito que vienes
al mundo te guarde Dios.
una de las dos Españas
ha de helarte el corazón. 

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Caminante, no hay camino

Caminante, son tus huellas
el camino y nada más;
Caminante, no hay camino,
se hace camino al andar.
Al andar se hace el camino,
y al volver la vista atrás
se ve la senda que nunca
se ha de volver a pisar.
Caminante no hay camino
sino estelas en la mar.

Carl Jung (Kesswil, cantón de Turgovia, Suiza, 26-7-1875 / Küsnacht, cantón de Zúrich, Suiza, 6-6-1961): In memoriam

PIONERO DE LA PSICOLOGÍA PROFUNDA

Tal día como hoy hace 140 años vino al mundo Carl Jung, eminente psicólogo y psiquiatra suizo, además de ensayista, antropólogo y filósofo, cuya extensa obra es una respuesta profunda al estado psicológico del hombre occidental de nuestra época. Formuló teorías psicológicas de gran influencia en la ciencia y cultura del siglo XX.
Carl Gustav Jung, hijo de un pastor luterano, fue desde adolescente un entusiasta lector admirador de Goethe y Nietzsche. Entre 1894 y 1900 estudió Medicina en la Universidad de Basilea. Presentó su tesis doctoral Acerca de la psicología y patología de los llamados fenómenos ocultos en la facultad de medicina de la Universidad de Zúrich en 1902. Un año después se casó con la psicoterapeuta Emma Rauschenbach, con quien tendría cinco hijos, y en 1905 se doctoró en psiquiatría. Mientras trabajaba en la clínica de Burghölzli, de la que había llegado a ser médico jefe, conoció en 1907 a Sigmund Freud, con el cual inició una fecunda colaboración. "La interpretación de los sueños" y los trabajos sobre la histeria del psiquiatra austriaco habían dejado su impronta en Jung, quien desde el comienzo fue un fervoroso partidario de la nueva disciplina psicoanalítica. En 1911 llegó a presidente de la Asociación Psicoanalítica Internacional, recién fundada.
Sin embargo, ya en la obra Transformaciones y símbolos de la libido, publicada en 1912, se manifestaron serias divergencias entre su pensamiento y el de Sigmund Freud, declarando su independencia de la estrecha interpretación sexual de éste; en 1913 se produjo la separación definitiva. Jung denominó su propia doctrina "psicología analítica", y luego "psicología compleja", para distinguirla incluso en el nombre del psicoanálisis freudiano. Renunció a la presidencia de la Asociación Psicoanalítica Internacional y fundó la escuela de Psicología Analítica. Ensanchó el acercamiento psicoanalítico de Freud, interpretando disturbios mentales y emocionales como tentativa de encontrar integridad personal y espiritual. Desarrolló sus teorías trazando un amplio conocimiento de la mitología. En 1921 apareció otra obra suya de importancia capital, Tipos psicológicos, en la que definió algunas orientaciones fundamentales de la personalidad humana, buscadas en las culturas e individualidades más diversas de la historia. Se ocupó del vínculo entre el consciente y el inconsciente, proponiendo los tipos de personalidad, extroversión e introversión. Más adelante llegó a una una distinción entre las sensaciones personales y los pensamientos inconscientes o reprimidos desarrollados durante la vida de un individuo, y lo que denominó inconsciente colectivo, sensaciones, pensamientos, y memorias compartidas por toda la humanidad. Sostenía que el inconsciente colectivo se compone de "arquetipos" o imágenes primordiales. Éstos corresponden a las experiencias de la Humanidad típicas como enfrentar la muerte o eligir un compañero, encontró su manifestación simbólica en las grandes religiones, mitos, cuentos de hadas, esoterismo, tarot, Astrología y la Alquimia, en especial la obra de Paracelso y Pico della Mirandola. Seguro de la ubicuidad de los motivos y de las imágenes ("arquetipos") del inconsciente profundo, Jung intentó confirmar sus criterios en varios campos de lo conocible y a través de viajes y exploraciones de carácter etnopsicológico que le llevaron sucesivamente al África septentrional, Nuevo México, Kenya, Oriente, etc. Colaboró en diversos trabajos con el sinólogo R. Wilhelm, el indólogo H. Zimmer y el filólogo y mitólogo K. Kerenyi.
El acercamiento terapéutico de Jung tuvo como objetivo reconciliar los estados diversos de la personalidad, que vio divididos no solamente en contrarios de introversión y extroversión sino también en las de subvariables pensamiento, intuición, sensación y percepción. Sostuvo que un paciente puede alcanzar un estado de individuación o la integridad de uno mismo (el dios interior). Se interesó mucho en la sincronicidad, la Alquimia y los estados alterados de conciencia y creó el método de imaginación activa, que surgió tras la ruptura con Freud, mientras escribía el críptico libro Rojo, publicado postumamente
De 1933 a 1942 fue profesor del Politécnico de Zurich. Luego dejó la enseñanza por motivos de salud; la misma causa le llevó en 1946 a renunciar a la cátedra de Psicología médica de la Universidad de Basilea, que había aceptado en 1944. En 1948 fue creado en Zurich, por iniciativa de varias personalidades suizas y de otras naciones, el Instituto C. G. Jung, que coordina la actividad de la escuela junguiana de psicología, publica importantes trabajos y promueve la celebración de congresos y reuniones nacionales e internacionales. En 1955 falleció su esposa y se conmemoró ampliamente el octogésimo aniversario de Jung en todo el mundo, pero singularmente en Zurich y Küssnacht, su residencia habitual. Seis años después, tras una corta enfermedad, Carl Jung falleció en su casa a los 85 años. Su obra completa está recogida en 20 volúmenes.

sábado, 25 de julio de 2015

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