Museo LoPiù

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lunes, 31 de marzo de 2014

The Moody Blues - Nights in white satin

NEVER REACHING THE END
 
En 1967, The Moody Blues, un quinteto británico de Birmingham formado tres años antes, publicaron "Days of future passed", un álbum del que se extrajo en single esta memorable canción que, con innovador uso del mellotron y arreglos de orquesta sinfónica (The London Festival Orchestra), añadido a su romántica y melancólica letra, constituyó un hito en la música popular de los 60 y 70 (en 1972 volvió a ser reeditada).

NIGHTS IN WHITE SATIN
(Justin Hayward)

Nights in white satin,
Never reaching the end,
Letters I've written,
Never meaning to send.

Beauty I'd always missed
With these eyes before,
Just what the truth is
I can't say anymore.

'Cause I love you,
Yes, I love you,
Oh, how, I love you.

Gazing at people,
Some hand in hand,
Just what I'm going thru
They can understand.

Some try to tell me
Thoughts they cannot defend,
Just what you want to be
You will be in the end,

And I love you,
Yes, I love you,
Oh, how I love you.
Oh, how I love you.

Nights in white satin,
Never reaching the end,
Letters I've written,
Never meaning to send.

Beauty I'd always missed
With these eyes before,
Just what the truth is
I can't say anymore.

'Cause I love you,
Yes, I love you,
Oh, how I love you.
Oh, how I love you.

'Cause I love you,
Yes, I love you,
Oh, how I love you.



Procol Harum - A whiter shade of pale

AND SO IT WAS THAT LATER
 
He quí una emblemática canción de la segunda mitad de los 60. El single fue número uno durante seis semanas en 1967. El grupo británico (de un solo pero memorable hit) Procol Harum se inspiró en Johann Sebastian Bach para su envolvente instrumentación (¡ese órgano casi eclesial!), inaugurando así un género que primero se denominó como rock progresivo y después sinfónico. Su muy inusual texto sugiere una metafórica forma de seducción sexual. En España fue conocida como "Con su blanca palidez".

A WHITER SHADE OF PALE
(Brooker/Reid/Fisher)

We skipped the light fandango
turned cartwheels 'cross the floor
I was feeling kinda' seasick
the crowd called out for more
the room was humming harder
as the ceiling flew away
when we called out for another drink
the waiter brought a tray

and so it was that later
as a mirror told its tale
that her face at first just ghostly
turned a whiter shade of pale

She said: "There is no reason
and the truth is plain to see"
but I wandered through my playing cards
would not let her be
one of sixteen vestal virgins
who were leaving for the coast
and although my eyes were open
they might just as well've been closed

and so it was that later
as the miller told his tale
that her face at first just ghostly
turned a whiter shade of pale.



Vintage delights (VIII)

























Herb Alpert - This guy's in love with you

HAPPY BIRTHDAY, HERB ALPERT!
El tompetista y cantante estadounidense (Los Angeles, California, 31-3-1935) ha cumplido 79 años. Con su banda Herb Alpert & The Tijuana Brass consiguió cinco números uno en Billboard, catorce discos de platino y quince de oro, ocho premios Grammy y sus ventas de discos superan los 72 millones. En 2012, el Presidente Obama le impuso la Medalla Nacional de las Artes.
Uno de sus mayores hits a nivel global lo tuvo en 1968 con esta canción del famoso tándem Burt Bacharach/Hal David , en la que, además, cantaba.

Ewan McGregor (Perth, Scotland, 31-3-1971)

HAPPY BIRTHDAY, EWAN McGREGOR!

El actor británico, con una importante carrera internacional que abarca 45 películas y ganador del Premio del Cine Europeo al mejor actor de 2010, cumplirá hoy 43 años.

He aquí una reseña biográfica extraída de la página El Criticón con diversas modificaciones:

«Desde su infancia, Ewan fue un apasionado del mundo del teatro y el cine, abandonando sus estudios para incorporarse al Perth Repertory Theatre escocés. Con posterioridad estudió interpretación en la Morrison's Academy de Crieff y en la Guildhall School of Music and Drama de Londres.
A comienzos de los años 90 dio inicio a su carrera de actor apareciendo en telefilms británicos y en series de televisión, entre ellas "Scarlet & black".
Su primer papel cinematográfico fue en Being human (1993), película dirigida por Bill Forsyth que protagonizó Robin Williams. Tumba abierta (1994), thriller de Danny Boyle, le proporcionó su primer personaje de importancia. Con Boyle alcanzó la fama internacional al protagonizar Trainspotting (1996), película basada en una novela escrita por Irvine Welsh. Un año antes del estreno Ewan contrajo matrimonio con la diseñadora de producción francesa Eve Mavrakis, con quien tiene tres hijas biológicas y una adoptada.
En esta segunda mitad del decenio intervino en títulos como The pillow book (1996) de Peter Greenaway, Emma (1996) de Douglas McGrath, La sombra de la noche (1997) de Ole Bornedal, Una historia diferente (1997) de Danny Boyle, Velvet goldmine (1998) de Todd Haynes, o La amenaza fantasma (1999), primer título de la nueva trilogía preparada por George Lucas en la que McGregor encarnaba a Obi-Wan Kenobi.
En el año 2001 compartió protagonismo con Nicole Kidman en el musical Moulin Rouge, título dirigido por Baz Luhrmann por el que fue nominado como mejor actor de comedia/musical al Globo de Oro.
Otros títulos de su filmografía son Big fish (2003) de Tim Burton, La isla (2005), film de ciencia-ficción coprotagonizado por Scarlett Johansson, Stay (2005) de Marc Foster o Miss Potter (2006), biografía de Beatrix Potter interpretada por Renee Zellweger.
Con Woody Allen rodó Cassandra's dream (2007), drama criminal coprotagonizado por Colin Farrell, su hermano en la película y copropietario del velero que titula el film. En La lista (2008) era un auditor que ingresaba en un club sexual tras encontrarse con un abogado interpretado por Hugh Jackman. En Ángeles y demonios (2009), compartiendo cartel con Tom Hanks, interpretaba al camarlengo Patrick McKenna. En la comedia dramática gay Phillip Morris, te quiero (2009) hacía pareja con Jim Carrey. En Los hombres que miraban fijamente a las cabras (2009) era Bob Wilton, un periodista que contactaba con un militar (George Clooney) que formaba parte de una unidad de élite con poderes paranormales. En Amelia (2009), biografía sobre la aviadora Amelia Earhart, encarnaba a Gene Vidal al lado de Hilary Swank. En El escritor (2010), película dirigida por Roman Polanski, interpretaba a un escritor que ve peligrar su vida tras descubrir un importante secreto de un ex primer ministro británico al que está biografiando. En Beginners (Principiantes) (2010) descubría que su padre (Christopher Plummer) era homosexual. En el thriller de acción Indomable (2011) fue dirigido por Steven Soderbergh. En La pesca de salmón en Yemen (2011) de Lasse Hallström era un experto británico en pesca contratado por un jeque a través de Emily Blunt. Esta película fue su segunda nominación a un Globo de Oro. En Lo imposible (2012), película sobre el tsunami que asoló Tailandia en el año 2004, era el marido de Naomi Watts. Su último film estrenado es Agosto (2013), formando parte de un interesante reparto encabezado por Meryl Streep y Julia Roberts.
»

domingo, 30 de marzo de 2014

Doris Day - Sentimental journey

TO RENEW OLD MEMORIES
 
"Sentimental journey", el standard de Brown/Homer/Green, editado en 1944, fue el primer número 1 de Doris Day como vocalista (con la orquesta de Les Brown). La canción se mantuvo 23 semanas en las listas de éxitos de Billboard y, coincidiendo con el fin de la 2ª Guerra Mundial, se convirtió en un no oficial tema de bienvenida a casa para muchos veteranos de la contienda. Versiones posteriores fueron registradas por artistas como Ella Fitzgerald, The Platters o Ringo Starr.

 Sentimental journey (lyrics)

Gonna take a sentimental journey
Gonna set my heart at ease
Gonna take a sentimental journey
To renew old memories
Got my bag
Got my reservation
Spent each dime
I could afford
Like a child
In wild anticipation
Long to hear that
All aboard
Seven
That's the time we leave
At seven
I'll be waitin' up for
Heaven
Countin' every mile
Of railroad track
That takes me back
Never thought
My heart could be so yearny
Why did I decide to roam
Gotta take that sentimental journey
Sentimental journey home
Sentimental journey...



Frank Sinatra - Young at heart

FAIRY TALES CAN COME TRUE
 
"Young at heart", una balada de 1953 con música de Johnny Richards y letra de Carolyn Leigh, es mi canción preferida de Sinatra. La canción tuvo tal éxito en su día que dió nombre a la película que Gordon Douglas dirigió al año siguiente con Frank Sinatra y Doris Day de protagonistas (retitulada en España "Siempre tu y yo"), en cuya banda sonora fue, naturalmente, incluída.

Young at heart (lyrics)

Fairytales can come true
It can happen to you
If you're young at heart
For it's hard
You will find
To be narrow of mind
If you're young at heart
You can go to extremes
With impossible schemes
You can laugh when your dreams
Fall apart at the seams
And life get's more exciting with each passing day
And love is either in your heart
Or on it's way
Don't you know
That it's worth
Every treasure on earth
To be young at heart
For as rich
As you are
It's much better by far to be young at heart
And if you should survive to 105
Look at all you'll derive out of being alive
And here is the best part
You have a head start
If you are among the very young at heart
----------------------------------------------------------
And if you should survive to 105
Look at all you'll derive out of of being alive
And here is the best part
You have a head start
If you are among the very young at heart

Connie Francis - Love is a many splendored thing

THE GOLDEN CROWN THAT MAKES A MAN A KING
 
Esta inolvidable melodía de la película del mismo título (en España, "La colina del adiós") ganó con toda justicia el Oscar a la mejor canción de 1955 y contó con infinidad de versiones de grandes cantantes, una de las mejores, a cargo de la fabulosa Connie Francis.

Love is a many splendored thing
(Sammy Fain/Paul Francis Webster)

Love is a many splendored thing,
It's the April rose that only grows in the early spring,
Love is nature's way of giving, a reason to be living,
The golden crown that makes a man a king.
Once on a high and windy hill,
In the morning mist two lovers kissed and the world stood still,
Then your fingers touched my silent heart and taught it how to sing,
Yes, true love's a many splendored thing.
Once on a high and windy hill,
In the morning mist two lovers kissed and the world stood still,
Then your fingers touched my silent heart and taught it how to sing,
Yes, true love's a many splendored thing.



Tribute to Warren Beatty

MAGNÍFICO BRIBÓN
El actor estadounidense Warren Beatty (30-3-1937) cumple hoy 77 años. En los años 60 y 70 fue, junto con Robert Redford, uno de los mayores sex symbols masculinos del nuevo cine hollywoodense. Cuatro veces candidato al Oscar como mejor actor principal, nunca lo ha conseguido en esa categoría. Sí, en cambio, como productor y director ("Rojos"), de un total de 14 candidaturas en toda su carrera, incluyendo la de guionista. Ha obtenido, asímismo, multitud de premios y reconocimientos.
La siguiente semblanza biográfica está tomada (con algunas modificaciones) de la página decine2:

American Beatty: Símbolo del nuevo Hollywood
por Juan Luis Sánchez

Considerado uno de los grandes seductores de Hollywood, hasta Woody Allen alabó su atractivo cuando dijo que si existe la reencarnación le gustaría reencarnarse 'en las yemas de los dedos de Warren Beatty'. Pero además, ha demostrado su valía a las órdenes de legendarios directores, y es también un valioso productor y director. Símbolo del nuevo Hollywood surgido a finales de los 60, elige sus proyectos con cuentagotas.
Henry Warren Beaty (posteriormente añadiría una 't' a su apellido) nació el 30 de marzo de 1937 en Richmond (Virginia). El hermano pequeño de la actriz Shirley MacLaine era un excelente deportista desde muy joven, y obtuvo una beca para la Universidad. Sin embargo, decidió dejar la facultad y seguir los pasos de su ilustre hermana, por lo que se hizo alumno de Stella Adler, actriz de Broadway que estaba considerada una de las mejores profesoras de interpretación neoyorquinas.
Mientras recibía clases ejerció las ocupaciones más diversas –albañil o pianista de un bar–, hasta que le ofrecieron pequeños trabajos como actor en la televisión, y el teatro, llegando a ser nominado al Tony, por "A loss of roses".
En el cine, Warren Beatty llegó, vio y venció, pues debutó a lo grande, de la mano del prestigioso Elia Kazan, que quedó encantado con su fotogenia tras hacerle una prueba de cámara. Decidió darle el papel protagonista de "Esplendor en la hierba" (1961), junto a Natalie Wood, donde interpretaba a Bud, joven enamorado cuyo padre no le deja casarse porque quiere que vaya a la Universidad de Yale.
No tardaron en ofrecerle protagonizar más películas, como "La primavera romana de la Sra. Stone" (1961), junto a Vivien Leigh, "Su propio infierno" (1962) de John Frankenheimer, con Eva Marie Saint, o "Lilith" (1964) de Robert Rossen, con Jean Seberg. El director Arthur Penn quedó entusiasmado con su talento y le dio el papel principal de "Acosado" (1965), un drama criminal. Con el director inglés Jack Smight rodó "Magnífico bribón" (1966).
Aunque Beatty tenía una gran intuición para involucrarse en cintas de calidad, lo cierto es que éstas eran lo que los grandes estudios consideraban 'de arte y ensayo', y no daban mucho dinero. Admiraba a los grandes cineastas clásicos, como Kazan, su descubridor, o Billy Wilder, pero éstos ya empezaban a estar de capa caída. Y al arrogante actor las películas que le ofrecían le parecían indignas de su talento. Jack L. Warner le propuso protagonizar la adaptación de "John F. Kennedy and Pt-109", un libro de éxito de John Tregaskis. El propio JFK había declarado que quería que el director fuera Fred Zinnemann y Beatty el protagonista. Pero el joven rechazó la oferta, porque creía que el guión era muy malo. Así se lo hizo saber a Jack Warner, que le contestó que no volvería a trabajar en Hollywood.
Después de que "¿Qué tal, Pussycat?", otro título que declinó rodar –con Peter O’Toole en su lugar– se convirtiera en un gran éxito de taquilla, Warren Beatty tuvo muy claro que a partir de entonces asumiría el control creativo de sus películas para siempre. Encontró el proyecto ideal, "Bonnie & Clyde", pero como nadie se lo financiaba, decidió ir a visitar... ¡a Jack Warner!
'Tengo a Arthur Penn, tengo un guión formidable, puedo hacer esta película por un millón seiscientos; siempre será una gran película de gangsters', cuentan que dijo a Warner. Éste le guardaba mucho rencor a Beatty, pero cuando estaba a punto de mandarle a paseo, se dio cuenta de que era un auténtico filón. Beatty le proponía rodar la cinta por una nimiedad, en comparación con los 15 millones que Warner se había gastado en "Camelot". Al final aceptó, con la condición de que Beatty le mandara el presupuesto por escrito y firmado por él.
En "Bonnie & Clyde" (1967), y nuevamente dirigido por Penn, Beatty bordó su papel más recordado, el gangster Clyde Barrow, con Faye Dunaway como su compañera de reparto. Por esta cinta, basada en la historia real de los dos famosos atracadores de bancos, Beatty fue nominado al Oscar por primera vez, no sólo como actor, sino que al ser productor del film, también le correspondió la candidatura a la mejor película. Aunque el film optaba a diez premios, se llevó dos únicamente: actriz secundaria (Estelle Parsons) y fotografía.
A pesar de "Bonnie and Clyde" fue su primer gran éxito comercial y le había consagrado como un icono del nuevo Hollywood, Beatty seguía mirando con lupa los guiones y ya no volvió a actuar hasta tres años después, en "El único juego de la ciudad" (1970)junto a Elizabeth Taylor, dirigidos por George Stevens, uno de los cineastas clásicos que le gustaban. A continuación aceptó protagonizar el western "Los vividores" (1971) de Robert Altman, con Julie Christie, la comedia de intriga "Dólares" (1971) de Richard Brooks, junto a Goldie Hawn, y el excelente thriller "El último testigo" (1974) de Alan J. Pakula, con el fin de recaudar lo suficiente para poner en marcha un nuevo proyecto de su cosecha.
Invirtió todas sus ganancias en "Shampoo" (1975), comedia satírico-romántica con Julie Christie y Goldie Hawn, donde era un peluquero de éxito, que tiene a las mujeres rendidas a sus pies. El film, dirigido por Hal Ashby, estaba coescrito y producido por Beatty.
Tras la comedia criminal "Dos pillos y una herencia" (1975) de Mike Nichols, con Jack Nicholson y Stockard Channing, Beatty debutó como director –con la ayuda de Buck Henry– con la deliciosa comedia celestial "El cielo puede esperar" (1978), basada en la misma obra teatral que dio lugar a "El difunto protesta" y "La diosa de la danza", ambas de Alexander Hall. Además de que el film tuvo mucho éxito, Beatty consiguió acaparar varias de las 9 nominaciones al Oscar de la cinta, ya que le correspondieron a él mismo las candidaturas de guión adaptado (con Elaine May), película, director (con el citado Buck Henry) y actor. Al final, el film sólo ganó en la categoría de dirección artística.
Volvió a repetirse la historia con su segunda película como director, "Rojos" (1981), épica crónica de las peripecias de un personaje real, el periodista John Reed, testigo de la Revolución Rusa que a pesar de su idealismo acaba dándose cuenta de la dura realidad del comunismo. Esta vez Beatty acaparó 4 de las 12 candidaturas al Oscar, y ganó uno (director), de los tres que el film obtuvo finalmente, ya que también triunfó en las categorías de fotografía (Vittorio Storaro) y actriz secundaria (Maureen Stapleton).
Desde entonces, Beatty se lo toma con más tranquilidad si cabe. De hecho, su filmografía es bastante escasa, pues no llega a las dos docenas de títulos en cinco décadas. Y el recibimiento de sus películas ha sido irregular. "Ishtar" (1987) –que produjo y coprotagonizó con Dustin Hoffman– fue un auténtico fracaso de taquilla. En cambio, "Dick Tracy" (1990) –adaptación de las peripecias del famoso héroe de cómic– consiguió las mejores cifras de recaudación de su carrera, y tampoco funcionó mal la brillante "Bugsy" (1991), dirigida por Barry Levinson, donde interpretaba a Bugsy Siegel, otro criminal real como Clyde Barrow. Pero "Un asunto de amor" (1994), tercera versión de "Tú y yo" (las anteriores eran de 1939 y 1957), con su esposa Annette Bening, y "Bulworth" (1998) pasaron sin pena ni gloria, así como "Enredos de sociedad" (2001) de Peter Chelsom, hasta la fecha la última película que interpretó, uno de los grandes fracasos del cine de Hollywood de principios del siglo XXI.
En el terreno sentimental, Beatty tiene el más largo historial de relaciones jamás conocido en Hollywood. Se le atribuyen romances con muchas mujeres, muchas de ellas bastante famosas, como Natalie Wood, Joan Collins, Leslie Caron, Vivien Leigh, Barbra Streisand, y sobre todo Julie Christie, con quien parecía que iba más en serio. También mantuvo un romance con Diane Keaton que fue decisivo a la hora de que la actriz dejara a Woody Allen. Cuando parecía que Beatty no iba a sentar la cabeza jamás, apareció en el horizonte la actriz Annette Bening. Ésta no sólo logró que pasara por la vicaría en 1992, sino que ha tenido con él 4 hijos, y siguen juntos. Vivir para ver.


sábado, 29 de marzo de 2014

Cernuda, amor en la sombra

SOMBRA DE MÍ

Bien sé yo que esta imagen
fija siempre en la mente
no eres tú, sino sombra
del amor que en mí existe
antes que el tiempo acabe.

Mi amor así visible me pareces, por
mí dotado de esa gracia misma
que me hace sufrir, llorar, desesperarme
de todo a veces, mientras otras
me levanta hasta el cielo en nuestra vida,
sintiendo las dulzuras que se guardan
sólo a los elegidos tras el mundo.

Y aunque conozco eso, luego pienso
que sin tí, sin el raro
pretexto que me diste,
mi amor, que afuera está con su ternura,
allá adentro de mí hoy seguiría
dormido todavía y a la espera
de alguien que, a su llamada
le hiciera al fin latir gozosamente.

Entonces te doy gracias y te digo:
Para esto vine al mundo, y a esperarte;
para vivir por tí, como tú vives
por mí, aunque no lo sepas,
por este amor tan hondo que te tengo.

(Luis Cernuda, "La realidad y el deseo")


Model: Stéphane Haffner

Gene Kelly - I like myself

WHY AM I FEELING SO GOOD?
WHY AM I FEELING SO STRONG?

El musical MGM "Siempre hace buen tiempo" (1955), codirigido por Gene Kelly y Stanley Donen ofrecía sensacionales números como este delicioso "I like myself" con Gene Kelly bailando con patines en la calle entre el asombro de los viandantes y la circulación detenida.

Fred Astaire & Gene Kelly - The babbitt and the bromide

HELLO! HOW ARE YOU?
HOW'S THE FOLKS? WHAT'S NEW?
I'M GREAT! THAT'S GOOD!
HUH-HUH! TOUCH WOOD!

En "Ziegfeld Follies" (1946), producción MGM de sketches musicales dirigida por Vincente Minnelli en colaboración con George Sidney, el productor Arthur Freed tuvo la gran idea de reunir por primera y única vez a estos dos grandes genios de la danza en este número, 'The babbitt and the bromide', un distendido y simpático juego de salón, que incluye guiños cómplices al espectador.

Fred Astaire - Top hat

I'M PUTTIN' ON MY TOP HAT
TYIN' UP MY WHITE TIE
BRUSHIN' OFF MY TAILS

 La película "Sombrero de copa" (1935) dirigida por Mark Sandrich para la RKO, con canciones de Irving Berlin y Hermes Pan como coreógrafo, consiguió en su día cuatro nominaciones a los premios de la Academia (película, decoración, canción y coreografía). El estilizado cocktail de imaginación, elegancia y buen gusto se hacen patentes en este número de Fred Astaire, clásico entre clásicos.

Wilfredo Lam (Sagua la Grande, 1902 / París, 1982), pintor cubano

LA JUNGLA SURREAL
A los 14 años se instaló con parte de su familia a La Habana, donde cursaría estudios de Bellas Artes, y ya entre 1920 y 1923 participó en el salón de la Asociación de Pintores y Escultores de La Habana. En este último año se trasladó a Madrid, donde tuvo como maestro a Sotomayor; dos años después se casaría con la española Eva Piris, de la que tendría un hijo. Ambos fallecieron poco antes de empezar la Guerra Civil, en la que Lam participó activamente del lado republicano. Su tragedia familiar y la tragedia colectiva de la guerra dejaron en Lam un poso dramático que siempre será perceptible en su obra.
En 1928 viajó a París, donde conoció a Picasso. A través de él entró en contacto con numerosos artistas del momento, entre ellos Leiris, Joan Miró, Léger, Matisse, Tzara, Eluard, Braque y Pierre Loeb. Este último organizó la primera exposición de Lam en París. En esta etapa cubista, Lam sintetiza sus emociones pintando personajes aislados, esquemáticos, enfrentados a la intensidad de la vida; la austeridad de la imagen se ve acentuada por la sobria utilización del color. Dentro del universo cubista y constructivista, Lam siguió una línea singular de gran claridad expresiva.
Con motivo de la guerra europea se vio obligado a regresar a Cuba, a la que ya apenas se sentía ligado. Sin embargo, este retorno forzado enriqueció definitivamente al pintor. Por un lado supuso el reencuentro con su cultura africana-caribeña; al mismo tiempo se relacionó con los surrealistas que en esos años recalaron en el Caribe. En 1943 expuso en la Galería Pierre Matisse de Nueva York su obra La Jungla, que fue adquirida por el Museo de Arte Moderno.
Desde 1946, año en que regresó a Francia, repartió su tiempo entre Cuba, Nueva York y París, hasta instalarse definitivamente en la capital francesa. La gran serie de cuadros totémicos y míticos en la que había estado trabajando desde su primer regreso a Cuba lo consagró como pintor de fama mundial.
La amistad con Pablo Picasso y los pintores y poetas surrealistas (ilustró el poema Fata Morgana de Breton) marcaron poderosamente su pintura, inicialmente decantada por las imágenes oníricas y los elementos fantásticos y poéticos, y que maduró en una abstracción emotiva (Niños sin alma, La jungla) para concluir en un expresionismo plenamente lírico. Realizó también numerosos murales para la Ciudad Universitaria de Caracas y el Retiro Obrero de La Habana. Además de su importante obra como ilustrador de libros con series de litografías y aguafuertes, se dedicó también a la cerámica y a la escultura en bronce.
(De la página Biografías y vidas)


Wilfredo Lam


 
La jungla (1943)

viernes, 28 de marzo de 2014

Gilda Giuliani - La voce del silenzio

CI SONO COSE IN UN SILENZIO CHE NON M'ASPPETTAVO MAI
 
"La voce del silenzio" es una canción de Mogol/Limiti/Isola que, defendida por Tony del Monaco y Dionne Warwick, se clasificó en el puesto 14º y último entre la finalistas de Sanremo 1968. Desde entonces, las versiones de importantes artistas se sucedieron, de Mina a Massimo Ranieri, de Ornella Vanoni a Andrea Bocelli, todo un tema idóneo para lucir voz. En el clip, una de las más dotadas, Gilda Giuliani, revelación en Sanremo 1973, exhibe en 2001 (veintiocho años después de su debut) su portentosa voz en una estremecedora versión de este clásico italiano.

Ornella Vanoni - Una ragione di più

NON SO SE IL CUORE CE LA FA

En 1969 Ornella Vanoni tuvo uno de sus mayores hits en Italia con esta canción coescrita por ella misma junto a Reitano/Beretta/Califano.

Milva - Da troppo tempo

IO VORREI, SE LO VORREI, CREDI HO FATTO L'IMPOSSIBILE
 
Milva compitió con esta bellísima canción (mi favorita de su extenso y magnífico repertorio, con el tiempo y el desamor como leit-motiv) de Albertelli/Colonello en Sanremo 1973 y, aun debiendo ser vencedora, consiguió el tercer puesto en la clasificación final.

video

Patty Pravo - Col tempo (Avec le temps)

COL TEMPO SAI ... NON AMI PIÙ
Una de las canciones francesas que más me gustan es "Avec le temps" de Leo Ferré, cuya letra hiela la sangre de mis venas. Patty Pravo, mai più una bambola bionda, grabó a principios de los 70 una sentida versión que aquí se puede apreciar años después 'dal vivo'.

Sir Dirk Bogarde (West Hampstead, London, 28-3-1921 / Chelsea, London, 8-5-1999): In memoriam

GÖTTERDÄMMERUNG
Aniversario natal del gran actor inglés (además, un interesante escritor de elegante estilo), de admirable carrera internacional en el cine europeo de autor, ganador de dos premios BAFTA mas uno honorífico, entre otros galardones y distinciones.
El texto que sigue está tomado (con algunas modificaciones) de la página Biografías y vidas:
<< De padres holandeses (él era un afamado crítico de arte y fotografía en el London Times y ella una actriz poco conocida), Dirk Bogarde mostró desde muy joven una gran inteligencia y aplicación en sus estudios. Se decantó inmediatamente por la interpretación al inscribirse para estudiar arte dramático en el Royal College of Art of London.
Trabajó, para poder pagarse los estudios, como fotógrafo, actividad que no abandonó cuando fue movilizado por el ejército para participar en la Segunda Guerra Mundial. Intervino en campañas en Java y Birmania y asistió al desembarco de Normandía. Con el grado de capitán, en abril de 1945, fue uno de los primeros oficiales aliados en llegar al campo de concentración Bergen-Belsen en Alemania, una experiencia que lo marcó de por vida. A su vuelta, consiguió enrolarse en algunas compañías teatrales, inicio de una travesía dura y complicada y, sobre todo, muy lenta. Pero un buen amigo y consejero, Noel Coward, el famoso dramaturgo, le ayudó a surgir de entre los bastidores y firmar un importante contrato en exclusiva con el productor Arthur Rank, propietario de la archiconocida compañía cinematográfica británica Rank Organisation.
Había debutado en el cine mucho antes, en 1939, en "Come on George", pero era uno de tantos extras que salían en el filme, y ni siquiera estaba acreditado. Con la guerra de por medio, ocho años después se iba a producir su debut oficial: "Dancing with crime" (1947) y uno más tarde iba a aparecer en su primer papel protagonista: "Esther Waters" (1948). Sólo un año más tendría que esperar para conseguir su primer papel en un filme importante: la película en episodios "Quartet" (1949). Siguieron títulos como "Extraño suceso" (1950), "The woman in question" (1950), "Blackmailed" (1951), "Hunted" (1952) o "Doctor in the house" (1954), inicio de serie de películas dirigidas por Ralph Thomas, en las que encarnaba al Dr. Simon Sparrow, que le dieron enorme popularidad en el Reino Unido.
En 1954, bajo el seudónimo de Victor Hanbury, el cineasta norteamericano Joseph Losey, inscrito en la "lista negra" del maccarthysmo en Estados Unidos, se encontraba en Europa rodando algunos filmes para sobrevivir. En Inglaterra estaba preparando "El tigre dormido", y alguien le sugirió que contratara a Bogarde para el papel de Frank Clements, un delincuente que hará de cobaya para un psiquiatra londinense y que terminará seduciendo a la mujer de éste. Comenzó así una asociación inolvidable en la historia del cine.
En "La silla vacía" (1957), de Lewis Gilbert, magnífica adaptación de la obra "Murder mistaken" de Janet Green, interpretó a un peligroso barbazul que se casa con mujeres ricas para luego asesinarlas. En "Historia de dos ciudades" (1958), de Ralph Thomas, da vida al mejor Sydney Carton de todas las versiones del clásico de Charles Dickens.
Ese mismo año llegó el melodrama romántico "El viento no sabe leer" (1958), de Ralph Thomas, un filme contado con una fluidez asombrosa, en su mayoría rodado en los exteriores de Delhi, con un Bogarde en estado de gracia. Después de ser un extraordinario Franz Liszt en "Sueño de amor" (1960) de Charles Vidor, lujosa adaptación de la vida musical y amorosa del famoso compositor, y un memorable abogado que, en "Víctima" (1961), de Basil Dearden, arriesgó su reputación y su carrera cuando debió confesar su homosexualidad para descubrir a una banda de chantajistas, le llegó la oportunidad de participar en una obra maestra: "El sirviente" (1963), de Joseph Losey, una sutil y eficaz puesta en escena del director norteamericano de un guión de gran riqueza, obra de Harold Pinter, sobre las relaciones jefe-sirviente.
Al año siguiente, Losey volvió a llamarle para otra maravilla cinematográfica: "Rey y Patria" (1964). La obra refleja las atrocidades de la guerra; sobre un decorado de trincheras y de pasos subterráneos inundados de barro, Bogarde interpreta el papel de un abogado que debe defender en un consejo de guerra a un soldado acusado de deserción. En los años siguientes, encarnó a un entrevistador de televisión en la archifamosa "Darling" (1965), de John Schlesinger, un profesor de Oxford en "Accidente" (1967), un padre en "A las nueve cada noche" (1967), de Jack Clayton, y fue Pursewarden en "Justine" (1969), la adaptación de la obra de Lawrence Durrell, de George Cukor.
El mismo año, 1969, dio comienzo, con "La caída de los dioses", la alianza con Luchino Visconti. Impactante la presencia de Bogarde, entre el erotismo y el poder, fundados ambos en las ansias de posesión y dominio de su soberbio personaje: Friedrich Bruckmann.
Un par de años después, Bogarde fue, en "Muerte en Venecia" (1971) de Luchino Visconti, el compositor Gustav von Aschenbach, un personaje inspirado en Gustav Mahler -en la novela de Thomas Mann, Aschenbach es un escritor- que marcha a pasar una temporada al Lido de Venecia, porque se siente fatigado y deprimido, y se enamora perdidamente de un muchacho llamado Tadzio. La puesta en escena es totalmente fiel a las intenciones y a la filosofía de Mann, pero el cineasta se desmarca y habla también de sus propias angustias, en esta obra fascinante por su perfección dramática, psicológica y plástica.
En los años que restan hasta 1990, año en el que interpretó su última película (Daddy Nostalgie, de Bertrand Tavernier), intervino en la controvertida "Portero de noche" (1974), de Liliana Cavani, fue uno de los muchos grandes actores de "Un puente lejano" (1977) de Richard Attenborough, y fue reclutado para dos films de cineastas de prestigio en el concierto europeo: "Providence" (1977) de Alain Resnais y "Desesperación" (1979), de Rainer Werner Fassbinder.
A pesar de haber vivido fuera de Gran Bretaña más de veintidós años, en 1992, fue nombrado Caballero de la Corona Británica por la Reina y dos años antes ya había recibido la Orden de Caballero de las Artes y las Letras por el gobierno francés, pruebas del prestigio de este actor que siempre supo, con una sobriedad verdaderamente asombrosa, dotar a los muchos personajes que interpretó de una profunda riqueza y complejidad psiológica. >>
Homosexual de vida discreta, durante muchos años convivió con su representante Anthony Forwood, hasta el fallecimiento de éste en 1988. Su negativa a aceptar un matrimonio de conveniencia 'a lo Rock Hudson' le impidió ser una estrella en Hollywood, pese al prometedor éxito de "Sueño de amor". Su película "Víctima" es considerada la primera británica en tratar seriamente el tema de la homosexualidad. La película ayudó a cambiar las leyes penales que afectaban a los homosexuales en el Reino Unido en 1967.
Sir Dirk Bogarde murió de un ataque cardíaco a los 78 años. Algunos le consideran la mayor estrella cinematográfica británica en el siglo XX.


 

jueves, 27 de marzo de 2014

Charles Aznavour - Yesterday when I was young

    

THE TIME HAS COME FOR ME TO PAY

"Hier encore", una canción editada en 1964, escrita por Charles Aznavour y Georges Garvarentz, se convirtió tiempo después en "Yesterday when I was young" por mor de la letra inglesa de Herbert Kretzmer. Se la considera uno de los grandes hits internacionales de Aznavour.

Yesterday when I was young (lyrics)

Yesterday when I was young
the taste of life was sweet as rain upon my tongue.
I teased at life as if it were a foolish game,
the way the evening breeze may tease a candle flame.
The thousand dreams I dreamed, the splendid things I planned
I always built alas on weak and shifting sand.
I lived by night and shunned the naked light of the day
and only now I see how the years ran away.

Yesterday when I was young
so many drinking songs were waiting to be sung,
so many wayward pleasures lay in store for me
and so much pain my dazzled eyes refused to see.
I ran so fast that time and youth at last ran out,
I never stopped to think what life was all about
and every conversation I can now recall
concerned itself with me and nothing else at all.

Yesterday the moon was blue
and every crazy day brought something new to do.
I used my magic age as if it were a wand
and never saw the waste and emptiness beyond.
The game of love I played with arrogance and pride
and every flame I lit too quickly quickly died.
The friends I made all seemed somehow to drift away
and only I am left on stage to end the play.
There are so many songs in me that won't be sung;
I feel the bitter taste of tears upon my tongue.
The time has come for me to pay for yesterday when I was young



Amazing photographers: Edward Steichen (1.03)

< ... CONTINUATION
 
Loretta Young, 1930

Loretta Young

Carole Lombard

Douglas Fairbanks Jr. & Joan Crawford, 1931

Mary Pickford, 1924

Maureen O'Sullivan, 1931

Chester morris, 1931

Anita Loos

Winston Churchill, 1932

Thomas Mann, NY, 1934

Fred & Adele Astaire, 1920s

Norma Shearer & Irving Thalberg, 1932

Greta Garbo & John Gilbert

Clara Bow

Loretta Young, 1935

George Gershwin, 1927

Fanny Brice, 1925

Fanny Brice, 1924

Charles Laughton

Emil Jannings, 1927

Fred Astaire, 1927

Henri Matisse, 1930

Norma Shearer

Irving Thalberg, 1927

Charlie Chaplin, 1925

Jackie Coogan, 1925

Gloria Swanson

Lillian Gish, 1934

Dougla Fairbanks, 1927

John Barrymore as Hamlet, 1922

George Arliss

Eva Le Gallienne, 1928

Evelyn Brent

Walter Winchell

Edward Steichen, autoportrait, 1939

Edward Steichen, portrait with photographic paraphernalia, 1929

Lillian Gish

Frances Farmer, 1937

Eleanor Roosevelt, 1941

Le tournesol (The sunflower), 1929